Teatro el milagro cotidiano

Dedico este texto al gran hombre de teatro Aderbal Freire Filho, que amaba y conocía el teatro latinoamericano.

El Día del Teatro Latinoamericano es hoy. Y mañana. Y ayer. Y todos los días que lo precedieron y los que lo sucederán. El Día del Teatro Latinoamericano es una efeméride importante porque le recuerda a la sociedad nuestra especificidad, y a nosotros, nuestro oficio.

El mundo está dominado por estructuras económicas, ideológicas y tecnológicas que tienden a sustituir la palabra por la imagen, la presencia por la virtualidad, el cuerpo por la máquina, la razón por la mentira, el diálogo por el algoritmo. En esta realidad, el Teatro parece imposible.

Al fin y al cabo, Teatro es un cuerpo frente a otro cuerpo, dialogando por medio de elementos de lo sensible —imágenes, sonidos, símbolos, sensaciones— en busca de una comprensión que no se limita a la razón, pero que tampoco la excluye, en la medida en que no renuncia a la palabra.

Y, sin embargo, nunca fue tan deseable ni tan deseado. Como solo existe si los cuerpos de actores y espectadores están en un mismo espacio, es un antídoto contra un mundo que pretende reemplazar el encuentro por las máquinas. Por ser presencial, exige que lo virtual ceda por un momento su lugar a la presencia. Como necesita de la palabra común entre actor y espectador, impide que la imagen lo ocupe todo. Como solo existe si se establece el diálogo, devuelve lo irracional a su lugar, fuera del protagonismo. Como es el imperio del deseo y de lo imprevisible, ningún algoritmo puede determinarlo por completo.

El Teatro, como todo Arte, no tiene función, salvo su propio ejercicio arbitrario de juego con los elementos de lo sensible, consciente de la tradición, arraigado en la comunidad, causando innumerables consecuencias, pero en sí mismo inconsecuente. Su único compromiso es con la irresponsabilidad de quien sabe que, antes que nada, está jugando.

Su propia existencia es política, aunque la forma y los elementos del juego estén aparentemente desprovistos de esa intención. Hoy más que nunca, el teatro es, en sí mismo, una respuesta al autoritarismo y a las respuestas prefabricadas y mentirosas sobre qué es el Hombre y por qué está como está.

La ignorancia y el autoritarismo se ejercen hoy con orgullo y desvergüenza. El Teatro permanece humilde en su certeza de que nada sabe y de que no puede controlar aquello que es flujo, aquello que es vida. Los espacios teatrales son lugares sagrados donde los ciudadanos viven el rito del encuentro de su vida particular con la vida de la comunidad.

América Latina está tomada nuevamente por el fascismo. Y el Teatro, ahora como siempre, es el arma más poderosa contra él. Porque el Teatro es vida, el fascismo es muerte. Sí, todos moriremos. Pero la muerte solo reina del otro lado de la Estigia. De este lado, la Vida —y el Teatro— siempre vencerán.

por Aimar Labaki
dramaturgo, diretor, tradutor e
ensaísta. BRASIL

CREAR FRENTE AL MIEDO: teatro latino, migración y resistencia en Chicago

El año pasado, mientras nos preparábamos para presentar Destinos, el Festival Internacional de Teatro Latino de Chicago, algunos artistas abandonaron el festival.

No habían dejado de creer en su trabajo ni habían perdido el deseo de contar sus historias. Se retiraron porque tenían miedo.

La intensificación de las redadas y los operativos de ICE en Chicago había generado un ambiente de tensión que se sentía en todas partes. Artistas inmigrantes y latinoamericanos que vivían y trabajaban en Estados Unidos comenzaron a preguntarse si era seguro ir a un ensayo, presentarse ante un público o, simplemente, salir de sus casas. Algunos temían por su propia seguridad. Otros, por sus familias, sus colaboradores o las comunidades a las que servían.

En CLATA vimos el impacto inmediatamente.

Lo vimos cuando algunos actores decidieron no participar por miedo a ser detenidos. Lo vimos cuando las compañías nos expresaron su preocupación porque no sabían si sus públicos acudirían a apoyarlas por ese mismo temor. Lo vimos cuando otras compañías nos llamaron para decirnos que uno de sus familiares había obras en español y comenzaron a registrar disminuciones de asistencia de hasta un 30 por ciento y, en algunos casos, aún más.

El teatro depende de que las personas puedan reunirse.

Cuando una comunidad tiene miedo de salir de casa, el escenario también siente ese miedo.

Este año, el Great Cities Institute de la Universidad de Illinois Chicago le dio una dimensión económica a lo que nuestras comunidades ya conocían por experiencia. Su informe, Hunkering Down: The Hidden Economic Cost of Federal Immigration Enforcement in Cook County, Illinois, estima que el aumento de la vigilancia migratoria provocó pérdidas de aproximadamente 1.260 millones de dólares en la actividad comercial de restaurantes y comercios del condado de Cook, además de 107 millones de dólares en ingresos fiscales locales no recaudados.

Pero estos números no cuentan toda la historia. No miden las citas médicas pospuestas, los días de trabajo perdidos, los niños que no asistieron a la escuela o las personas que dejaron de participar en la vida cultural de nuestra ciudad. Tampoco miden lo que ocurre cuando alguien siente que su apellido, su acento, el color de su piel o el idioma que habla puede convertirlo en sospechoso No miden el costo artístico.

Lo que estamos viviendo en Chicago no es un fenómeno aislado. Forma parte de un momento político que atraviesa a Estados Unidos y a distintos países de América Latina.

En Chile, José Antonio Kast llegó a la presidencia con una propuesta de ultraderecha. En Colombia, la elección de Abelardo de la Espriella marcó un giro similar. En Argentina, Javier Milei continúa promoviendo una transformación radical del Estado y cuestionando el valor de muchas instituciones públicas, incluidas aquellas que sostienen la cultura.

Cada país tiene su propia historia y sus propias heridas.

No podemos reducir todas estas experiencias a una sola explicación. Sin embargo, hay elementos que se repiten: el uso del miedo como herramienta política, la criminalización de los migrantes, el cuestionamiento de derechos que creíamos conquistados y la promesa de imponer el orden a cualquier costo.

En estos contextos, la cultura y la memoria también se convierten en campos de batalla.

Las organizaciones artísticas de América Latina conocen esta realidad. Saben lo que significa crear en medio de recortes presupuestarios, censura, inestabilidad política y discursos que presentan al arte como algo secundario.

Saben lo que ocurre cuando los artistas deben defender no solo su trabajo, sino también su derecho a disentir y contar historias que incomodan al poder.

Para quienes trabajamos en el sector cultural latinoamericano en Estados Unidos, estas presiones se sienten desde ambos lados. Nos afectan las políticas migratorias y el clima político de este país, pero también cargamos con la preocupación por lo que ocurre en nuestros países de origen y con nuestras familias.

Nuestras historias, nuestros temores y nuestras luchas cruzan fronteras.

Desde CLATA hemos estado alzando la voz en nuestras conversaciones con fundaciones, financiadores y líderes cívicos de Chicago. Lo que ocurre en nuestros teatros no está separado de lo que sucede en los restaurantes, las tiendas, las escuelas o las iglesias de nuestras comunidades. Es parte de la misma realidad.

Cuando disminuye la asistencia, las compañías pierden ingresos. Cuando un artista abandona una producción, la organización debe absorber el costo de reemplazarlo o modificar su programación. Cuando las familias tienen miedo de salir, los teatros que trabajan con comunidades inmigrantes y de habla hispana ven alejarse al público que buscan servir.

Para las organizaciones con pocos recursos, una disminución en la asistencia no es una estadística abstracta. Puede significar una producción menos, un artista que no recibe un contrato o una compañía que comienza a preguntarse si podrá sobrevivir otro año.

Y todo esto ocurre mientras el teatro latino continúa recibiendo una inversión muy por debajo de lo que necesita. Se nos exige responder a una crisis social, cultural y económica con recursos que ya eran insuficientes antes de que comenzara.

La contradicción es difícil de ignorar. Mientras nuestras comunidades son tratadas como una amenaza, la evidencia demuestra que somos una parte indispensable del presente y del futuro económico de Estados Unidos.

El Latino Donor Collaborative estima que la economía latina de Estados Unidos alcanzó los 4,4 billones de dólares en 2024. En Illinois, los trabajadores latinos generan más de 100.000 millones de dólares anuales en producto interno bruto y sostienen sectores fundamentales como la construcción, la manufactura, la logística, la salud, el comercio y los servicios de alimentación, según el informe Raíces 2026: Building Stability to Strengthen Latino Civic Power.

Casi el 30 por ciento de la población de Chicago es latina. No somos una comunidad al margen de la ciudad.

Somos una parte fundamental de Chicago, de sus suburbios y de Illinois.

Nuestro impacto cultural también es económico. En 2025, Destinos reunió a más de 4.630 asistentes, presentó 120 funciones públicas, generó 33 actividades comunitarias y empleó a aproximadamente 270 artistas y profesionales creativos de Chicago. Tan solo esa edición produjo un impacto económico estimado de 528.000 dólares. Desde la creación del festival en 2017, estimamos que Destinos ha generado cerca de 8 millones de dólares en actividad económica.

Pero nuestra contribución no puede medirse únicamente en dólares.

Los artistas latinos también han ayudado a Estados Unidos a comprenderse a sí mismo. Hemos preservado historias que, de otra manera, se perderían. Hemos creado espacios donde las familias pueden escuchar su idioma, reconocer sus experiencias y verse reflejadas con dignidad sobre un escenario. Hemos hecho del teatro un lugar de encuentro entre generaciones, nacionalidades y comunidades.

Esa labor también nos conecta con los artistas y las organizaciones culturales de América Latina. Aunque trabajemos en contextos distintos, compartimos la responsabilidad de preservar la memoria, defender el derecho a crear y construir espacios donde nuestras comunidades puedan reconocerse.

Nuestros artistas continúan creando incluso cuando hacerlo implica cargar con el peso de la incertidumbre.

Continúan ensayando cuando sus familias tienen miedo.

Continúan contando historias en español cuando se les hace sentir que su idioma no pertenece. Continúan abriendo las puertas de nuestros teatros, aun cuando no saben quién se sentirá lo suficientemente seguro para entrar.

No sabemos qué nos espera este año. No sabemos si habrá más operativos, más miedo o más artistas obligados a tomar decisiones imposibles. Tampoco sabemos hasta dónde llegarán los cambios políticos que están ocurriendo en América Latina.

Pero sí conocemos la fortaleza de nuestras comunidades.

Y esa fortaleza no debe utilizarse como excusa para dejarnos solos.

Las fundaciones, las instituciones culturales, los líderes empresariales y los gobiernos deben reconocer que apoyar al teatro latino en este momento no significa solamente financiar una programación artística. Significa proteger empleos, defender la memoria y sostener espacios donde podemos reunirnos sin renunciar a quienes somos.

Esta responsabilidad no termina en Chicago. También corresponde a las redes culturales, los financiadores y las instituciones públicas y privadas de toda América Latina. Cuando una organización artística desaparece, no perdemos únicamente una programación. Perdemos un espacio de encuentro, una fuente de trabajo y una parte de nuestra memoria colectiva.

Seguiremos creando porque eso es lo que hacemos.

Seguiremos contando nuestras historias porque el silencio nunca nos ha protegido. Seguiremos construyendo escenarios donde nuestras comunidades puedan verse, escucharse y reconocerse.

No sabemos lo que traerá el futuro. Pero sabemos todo lo que ya hemos aportado a Estados Unidos, a América Latina y a las ciudades que hemos construido entre ambos mundos.

Y sabemos que, aun frente al miedo, seguimos aquí.

*Director ejecutivo de Chicago Latino Theater Alliance (CLATA) y de Destinos: Chicago International Latino Theater Festival

«Y, SIN EMBRGO, SE MUEVE» Galileo Galilei TODO SE MUEVE

Las distancias han desaparecido, cada vez más persones se mueven por el mundo sin cesar, se hacen más negocios que nunca antes, tenemos relaciones a distancia, nos comunicamos e interconectamos todo el tiempo, pareciera que la vida nos conduce a desprendernos de un territorio específico.

Lo que en principio suena como la lógica consecuencia de un mundo interconectado y globalizado, tiene otras caras, la de la movilidad , que ha permitido que circulen ideas y que la diversidad creativa de la humanidad se asome en otros espejos y encuentre puentes que unen lo que antes era una especie de espejo trizado que se recompone en imágenes que une a los artistas escénicos y musicales según otros criterios distintos de los meramente georreferénciales, apareciendo afinidades estéticas, generacionales, en un universo creativo dinámico.

Pero hay otras movilidades, aquellas que provienen de los conflictos, de la pobreza, del riesgo, de las realidades derivadas del cambio climático, convirtiéndose en uno de los temas más sensibles de la realidad socio-política del mundo, y que no es asumido con la fuerza que urge, derivando en una la lucha contra el miedo y el terror, como sucede de manera análoga ,en un mundo que asiste con asombro a ese fantasma que recorre Europa, en forma de refugiados que llevan a cuestes su desesperanza.

Por otra parte con el panorama global del advenimiento de una nueva derecha fuerte y agresiva gobernando aparece ese déficit en el rol de la cultura como espacio para la paz, el diálogo y la participación local. Estamos frente a un espacio cultural que cuenta con una larga tradición de grupos creativos en el campo del teatro, la música, la literatura, el cine, la poética, y la elaboración intelectual, pero que al mismo tiempo vive una insuficiente vinculación entre sus redes de conversación y acción, en un contexto donde perviven niveles de exclusión en diferentes esferas acusándose profundamente en el mundo de género, afro e indígena.

Es claro que en América Latina, particularmente en aquellos países que han vivido periodos de aguda violencia se sigue generando cultura solidaria y se articulan acciones que se sitúan frente a la violencia en todas sus formas y orígenes como actos alternativos y alterativos de esta lacerante realidad.

Es necesario que el conjunto social asuma como centralidad las relaciones de la lógica y el consenso como formas de vivir juntos respetando la singularidad de cada cual, la irrupción de las nuevas derechas como asunto cultural, la terrible situación por la que transita el mundo hoy, no puede ser ajena a la articulación de propuestas culturales nacionales y regionales, y nuestro actual proceso debe informarse de situaciones contextuales que sirvan de referencia.

La cultura ha sido siempre el verdadero espacio para la reflexión de la sociedad. El teatro, la literatura, música, artes plásticas o filosofía, han dado más respuestas de contracultura o de cultura de estado que las propias respuestas político-sociales.

El riesgo que corremos como “ecosistema cultural” (Rowan) es esa especie de darwinismo de un futuro basado en la «supervivencia del más apto» (instituciones o sectores de las industrias culturales de mayor dimensión, más establecidas y más rentables en el discurso de la “economía naranja”) Nos preguntamos ¿En tiempos de redes que superan las barreras de las fronteras, geográficas y tecnológicas, cómo se pueden crear redes de cooperación y solidaridad? ¿Cómo evitar la exclusión de los tradicionalmente excluidos?

Estos tiempos ponen a prueba nuestra capacidad para combinar empatía y acción. Es hora de estar en contacto con nuestros amigos y socios en Iberoamérica, incluso si las organizaciones en las que hemos estado trabajando juntos no sigan trabajando de la misma manera. Todos estamos pensando en formas de organizarnos de diferentes formas. Estamos obligados a utilizar nuestra imaginación y capacidad de innovación para continuar trabajando a través de las fronteras, juntos, por ahora y para el futuro.

La Política Nacional Aldir Blanc de fomento a la cultura (PNAB) como conquista.

Necesitamos hablar de la PNAB, y necesitamos hacerlo ahora. No dentro de un año, cuando el daño sea mayor y más difícil de revertir, sino en este momento exacto, en que la política ya completó un primer ciclo y está en el segundo, tiempo suficiente para mostrar con nitidez qué está funcionando y qué está derrumbándose. La Política Nacional Aldir Blanc, llamada la mayor política cultural del país, ya mostró sus limitaciones, y la insatisfacción en el sector cultural y artístico dejó de ser murmullo para convertirse en clamor. Quien está en el frente, inscribiendo proyectos, esperando resultados, leyendo dictámenes, elaborando recursos, sabe de lo que estoy hablando. Hay una frustración espesa en el aire, hecha de convocatorias confusas, plazos atropellados, plataformas que se traban, evaluaciones desarticuladas y una sensación persistente de que la política, que debería acercar el poder público a los agentes culturales y artistas, está haciendo lo contrario, cavando distancia. Discutir la PNAB ahora no es deslealtad con una conquista que defiendo. Es la única manera de protegerla mientras aún hay tiempo.

Lo vengo diciendo desde hace tiempo, y no estoy solo. Junto con muchos otros, he señalado la fragilidad de las convocatorias cuando se convierten en el instrumento casi único de fomento a la cultura y las artes. En abril de 2025, escribí sobre lo que llamé el colapso de las convocatorias, la constatación de que esa fórmula, transformada en herramienta principal y muchas veces exclusiva de financiamiento, llegó a su límite. Volví al tema otras veces, desde la diferencia entre arte y cultura hasta el esbozo de un nuevo paradigma, que presenté en otro texto a finales de ese año (www.andantecultura.com.br). Siempre dejé claro un punto que repito aquí. No estoy en contra de las convocatorias como herramienta. Estoy en contra de la «convocatorización» de la cultura, contra esa reducción de toda la política cultural a una sucesión interminable de llamados públicos, como si no hubiera otro camino para que el recurso llegue a quien crea. Las convocatorias fueron, en su momento, un excelente contrapunto al tráfico de influencias y el clientelismo; pero pasaron treinta años, y lo que era remedio se convirtió, en muchos casos, en la enfermedad. Y lo que la PNAB hizo, en muchos lugares, tal vez en la mayoría de ellos, fue llevar esa lógica al paroxismo. Se transformó en una fábrica de convocatorias, una línea de montaje que produce llamado tras llamado, y con ellos una sucesión de errores, improvisaciones y precarizaciones. La maquinaria gira, consume la energía del sector, y entrega cada vez menos sentido. Es hora de detenerse, mirar lo que construimos y preguntar, con valentía, si no existe una manera mejor, un rediseño de la PNAB.

Buscar, debatir, imaginar otros modelos y perfeccionar la política con urgencia no es abandonarla. Es tomarla en serio.

La Aldir Blanc no cayó del cielo ni nació de un decreto de gabinete. Fue arrancada. Vino de una de las movilizaciones más impresionantes que el campo cultural brasileño haya protagonizado, construida en el peor momento posible, dentro de un gobierno que trató a la cultura como enemiga, que extinguió el Ministerio, que persiguió artistas, que intentó asfixiar al sector por inanición presupuestaria y simbólica. Fue justamente en los márgenes y sombras de aquel período que trabajadores y trabajadoras de la cultura de todo el país, de los grandes centros a las ciudades más alejadas, se organizaron, ocuparon redes, presionaron a parlamentarios, redactaron propuestas, e hicieron lo que parecía imposible: transformar una «emergencia» en política de Estado. Fue la primera vez que recursos federales de cultura llegaron, de forma obligatoria y continuada, a todos los municipios del país, inclusive a aquellos que jamás habían tenido una secretaría de cultura, una convocatoria, una política cultural digna del nombre. Es democrática en su origen, capilar en su alcance, y tiene un poder de movilización que pocas políticas culturales brasileñas tuvieron. La PNAB es, ante todo, una conquista, y las conquistas se defienden. Y es por eso que el momento exige cuidado. Una política conquistada con tanta lucha puede perderse, no por un golpe, ojalá, sino por desgaste. Si en cada ciclo el sector que la construyó se siente más distante, más maltratado, más sofocado por convocatorias confusas, dictámenes absurdos y filas que humillan a quien fue aprobado, pero no contemplado, entonces el encantamiento se desvanece. Y una política sin encantamiento, sin la adhesión afectiva y militante de quienes la sostienen, queda huérfana en el momento del peligro. Cuando llegue el próximo ataque presupuestario, y ya hubo uno en 2025, ¿quién defenderá la PNAB si el propio sector ya habrá desistido de ella por agotamiento? Defender la Aldir Blanc hoy es, ante todo, impedir que la forma de ejecutarla mate el entusiasmo que la generó.

Quien sigue al sector cultural y artístico por todo Brasil percibe que la insatisfacción con la ejecución de la PNAB se convirtió en un coro nacional, con la misma melodía repetida en acentos diferentes. En varios estados y ciudades, la prensa cultural registró denuncias de dictámenes incoherentes y relatos de evaluadores pagados muy poco para juzgar un centenar de proyectos en poco tiempo, además de acusaciones de uso inadecuado de inteligencia artificial. En Minas, la propia Secretaría de Estado de Cultura reconoció errores de cálculo y republicó resultados, inclusive resultados finales, mientras entidades del sector presentaban notificación extrajudicial contra una convocatoria completa. De norte a sur, resuenan las mismas quejas: dictámenes absurdos, plataformas que no funcionan, reglas que cambian en medio del proceso, recursos administrativos que parecen escenificación burocrática. Cuando el mismo defecto aparece en estados gobernados por partidos diferentes, con equipos y culturas administrativas diferentes, es señal de que el problema no está en esta o aquella gestión. El problema está en el modelo. Y es el modelo, no solo sus operadores, lo que necesita ser repensado.

Minas Gerais como síntoma Como soy mineiro, quiero ahora bajar al terreno de Minas y las Gerais, y para eso necesito comenzar explicando el recorte de análisis que hice y voy a presentar aquí. De todo el conjunto de la PNAB mineira, segundo ciclo, elegí analizar dos convocatorias: la Convocatoria 01/2026, de Becas Culturales, y la Convocatoria 04/2026, de Ejecución Cultural, el fomento directo. Dejé fuera las convocatorias de premiación y las de Cultura Viva, pues me interesa pensar aquí el lugar del fomento a la cultura y las artes dentro de la política, y es en las convocatorias de becas y de ejecución cultural donde ese lugar se decide, porque es allí donde se financian la creación, la producción, la circulación de la obra y la investigación artística. Premiación y Cultura Viva tienen lógicas propias, que merecen análisis aparte. Al concentrar la mirada en estas dos convocatorias, puedo comparar lo que es comparable y ver con nitidez cómo la política trata, o maltrata, el hacer artístico. Y lo que vi en Minas, lo digo sin rodeos, es un ejemplo preocupante de cómo ejecutar mal una política tan importante. La sensación, ante el diseño de esas convocatorias, es que Minas Gerais no logra expresar hoy una política pública de cultura investigación artística. Premiación y Cultura Viva tienen lógicas propias, que merecen análisis aparte. Al concentrar la mirada en estas dos convocatorias, puedo comparar lo que es comparable y ver con nitidez cómo la política trata, o maltrata, el hacer artístico. Y lo que vi en Minas, lo digo sin rodeos, es un ejemplo preocupante de cómo ejecutar mal una política tan importante. La sensación, ante el diseño de esas convocatorias, es que Minas Gerais no logra expresar hoy una política pública de cultura capaz de organizar prioridades, garantizar continuidad y orientar el fomento de forma transparente, democrática y territorialmente equilibrada. Lo que aparece en lugar de una política estructurante es una sucesión de convocatorias fragmentadas, desiguales y poco articuladas, que distribuyen recursos sin construir un proyecto consistente para el desarrollo cultural del estado.

Llama la atención también que las varias categorías orientadas a giras artísticas aparezcan enmarcadas en la Convocatoria de Becas, en la modalidad de beca, cuando, en la práctica, involucran producción, desplazamiento de equipo, circulación de espectáculo, articulación con espacios, comunicación y cumplimiento de una extensa agenda pública de presentaciones.

Aunque la nueva Ley de Fomento admite el formato de beca para acciones de circulación puntual, hay una diferencia importante entre apoyar una acción formativa o difusora de un agente cultural, como previsto en el texto de la ley, y financiar una gira, que es una operación compleja y extendida de circulación artística.

El embudo de la aprobación efectiva Volvamos a las dos convocatorias de fomento y comencemos por la arquitectura.

Minas tomó una enorme diversidad de lenguajes, categorías y modos de hacer cultura y los comprimió en estas dos grandes convocatorias.

Dos puertas estrechas para que pase todo un sector. El resultado de esa concentración es un embudo brutal. En el conjunto de las más de ocho mil quinientas propuestas evaluadas en cuanto al mérito, solo el 15,9% tuvo aprobación efectiva. Las demás se dividieron entre los no clasificados y una fila inmensa de más de cinco mil quinientos «suplentes». Y aquí es preciso deshacer una ilusión: suplente no es alguien que tiene posibilidad de ser llamado después. La convocatoria de suplentes, cuando ocurre, es asistemática, y en varias convocatorias del primer ciclo en Minas simplemente no hubo llamamiento alguno. Estar en la suplencia, en la práctica, suele significar haber sido clasificado sin recibir nada. En la Convocatoria de Becas, la tasa de aprobación efectiva cayó al 8,6%, es decir, de cada cien propuestas, poco más de ocho recibieron recursos. En la Convocatoria de Ejecución Cultural, la de fomento directo, la tasa de aprobación efectiva fue del 19,2%, mejor que la de las becas, pero aun así dejando fuera a cuatro de cada cinco propuestas.

Para entender la gravedad de esto, es preciso saber cómo funciona la nota. En la Convocatoria de Becas, la evaluación de mérito vale hasta 100 puntos, y sobre ese total se suman además los bonos, una puntuación extra de hasta 25 puntos concedida a quienes se encuadran en acciones afirmativas, como ser mujer, persona LGBTQIAPN+, adulto mayor, residente de municipio de bajo IDH o nunca antes contemplado. Es decir, 100 es la nota plena del mérito, y las mejores propuestas, sumando los bonos, podían llegar hasta 125. Pues bien.

Incluso con una escala que va tan alto, había en la fila de suplentes 629 proyectos que sumaron 100 puntos o más, y 46 de ellos alcanzaron exactamente los 100 puntos plenos de mérito, la nota perfecta en la evaluación del proyecto en sí.

Son propuestas que el propio Estado leyó, puntuó y reconoció como excelentes, entre lo mejor que se inscribió, y que aun así quedaron fuera, no por haber fallado en nada, sino porque las plazas se agotaron. La política reconoce el mérito, pero no garantiza el recurso. Certifica la calidad, le entrega al artista un diploma de excelencia y lo manda a casa con las manos vacías.

Un número que incomoda es la enorme variación entre las tasas de aprobación efectiva de las diferentes líneas de traspaso. Cuando se baja del promedio general al detalle de cada categoría, se descubre que hay líneas con aprobación efectiva cercana al 2% y otras que se acercan al 100%, una diferencia que no puede tratarse como detalle estadístico. La Circulación de Audiovisual y Nuevos Medios, por ejemplo, quedó en 2,5%; el Intercambio de Producción y Técnica, en 2,9%; la Circulación de Espectáculos de Música, en 5,3%; la Circulación de Espectáculos de Teatro, en 6,5%. En otras líneas, la tasa fue muchas veces mayor. No se trata de oponer un área a otra, ni de cuestionar el mérito de ningún lenguaje o segmento contemplado. Lo que ese desnivel revela es una fragilidad de planificación pública: la distribución de las plazas y de los recursos no parece haber estado suficientemente orientada por estudios de demanda, lectura de resultados anteriores, análisis histórico de las inscripciones y comprensión de las necesidades específicas de cada campo. Una política de fomento de esta escala no puede definir sus líneas solo por repartición administrativa o por intuición; necesita dimensionar oferta, demanda, complejidad productiva y capacidad real de atención. El promedio general de 15,9%, en ese contexto, es una ficción estadística: oculta diferencias profundas entre líneas, enmascara cuellos de botella evidentes e impide ver dónde la política está, de hecho, dejando de responder a la demanda que ella misma convocó.

La evaluación como ruleta Hay aún una fragilidad en la raíz del proceso de la PNAB en Minas Gerais. Cada propuesta, según pude constatar, es evaluada por un único dictaminador; y cuando hay recurso administrativo, es ese mismo dictaminador quien vuelve a decidir. Una sola persona, sola, decide el cuellos de botella evidentes e impide ver dónde la política está, de hecho, dejando de responder a la demanda que ella misma convocó.

La evaluación como ruleta Hay aún una fragilidad en la raíz del proceso de la PNAB en Minas Gerais. Cada propuesta, según pude constatar, es evaluada por un único dictaminador; y cuando hay recurso administrativo, es ese mismo dictaminador quien vuelve a decidir. Una sola persona, sola, decide el destino de un proyecto. Es difícil defender como técnicamente consistente un proceso de fomento a gran escala en el que una propuesta dependa de una única lectura, sin segunda evaluación, sin panel y sin confrontación entre miradas divergentes. En convocatorias en las que actué como evaluador para otros estados y municipios, cada propuesta pasaba por varios dictaminadores, y en muchos aún se descartaban la nota más alta y la más baja, justamente para diluir el peso de un juicio aislado. Aquí no. Aquí el azar de caer en la mesa de este o aquel evaluador puede valer más que la calidad del proyecto. Es preciso decir esto con precisión, porque yo mismo soy dictaminador y conozco de cerca la complejidad de esa función. Tengo un enorme respeto por quienes evalúan, casi siempre bajo gran presión, con plazos exiguos y remuneración indigna, y sería injusto hacer del dictaminador el chivo expiatorio de un modelo que lo supera. Es fácil culpar a los dictaminadores, y no por casualidad, porque son la parte más visible y vulnerable de todo el engranaje, el rostro que aparece en el dictamen cuando algo sale mal. Pero apuntar hacia ellos es confundir uno de los eslabones más frágiles con el origen del problema. El problema nunca fue solo la competencia de las personas, sino el modo en que vienen siendo incorporadas a las convocatorias: sin transparencia en el reclutamiento, sin capacitación, sin metodología común y, sobre todo, con el aislamiento de quien decide solo. Hay, sí, dictámenes de bajísima calidad, y eso necesita decirse, pero el problema de fondo en Minas va más allá de las personas: es un diseño que entrega a una sola mano un poder que debería repartirse. Cuando se suma ese diseño frágil a dictámenes estandarizados, genéricos, con señales de automatización por IA y poca adherencia al proyecto evaluado, lo que se tiene es una ruleta. Una competencia de supervivencia disfrazada de proceso técnico. De ahí el enorme clamor contra los dictámenes. Y lo que le llega al proponente, en forma de dictamen, muchas veces profundiza la herida.

Quiero hacer una pequeña observación. No creo que la inteligencia artificial sea aquí la villana. Usada bien, y muchos dictaminadores y proponentes la usan bien para organizar ideas y dar forma a un proyecto o dictamen, es una herramienta legítima. El problema es el uso acrítico y sin supervisión, el dictamen generado y volcado sin que un humano capacitado lo formule, lea, verifique y firme. Corremos el riesgo del más absurdo de los escenarios: proyectos escritos por máquina de un lado, evaluados por máquina del otro, con agentes culturales y artistas de carne y hueso esperando el veredicto de una conversación entre dos programas que nadie supervisó.

¿Arte y cultura deben tener los mismos criterios?

Hay aquí una cuestión más profunda, que no cabe desarrollar integralmente en este artículo, pero que necesita al menos nombrarse: los procesos artísticos tienen exigencias propias y no pueden evaluarse solo con la misma vara genérica aplicada a todas las acciones culturales.

La diferencia entre arte y cultura, entre creación, lenguaje e invención, por un lado, y transmisión, memoria y pertenencia, por otro, merece una reflexión específica, que pretendo desarrollar en otro texto. Para los fines de este artículo, basta retener una consecuencia práctica: una política que se propone financiar arte necesita tener instrumentos y criterios capaces de evaluar la consistencia artística de las propuestas, y no solo su adecuación administrativa, su planilla, su difusión o su impacto social declarado.

Esa limitación tiene registro documental en los propios criterios de evaluación. En la Convocatoria de Becas, la nota se divide en cinco criterios de veinte puntos cada uno: coherencia del proyecto, relevancia cultural, integración comunitaria, trayectoria del agente y promoción de la diversidad. Que quede claro: la crítica no recae sobre las acciones afirmativas ni sobre la promoción de la diversidad, sino sobre la ausencia de una vara más completa para evaluar la consistencia artística de las propuestas.

Ninguno de ellos le pide al evaluador que juzgue la potencia artística de la propuesta, la inventividad de la investigación en el lenguaje o la fuerza de la creación. En la Convocatoria de Ejecución Cultural, de los ochenta puntos distribuidos entre siete criterios, doce corresponden a la coherencia de la planilla presupuestaria y doce al plan de difusión: treinta por ciento de la nota reservados a instrumentos de gestión, mientras que la trayectoria artística del proponente y la compatibilidad del equipo técnico y artístico suman juntas veinte puntos. La capacidad de presentar un presupuesto coherente y una estrategia de comunicación supera, numéricamente, todo lo que el formulario reservó para reconocer a quien hace y quien firma el proyecto: un espectáculo, una película, un disco son juzgados por la viabilidad de la planilla, por el alcance del plan de medios, por el impacto social declarado, por todo lo que orbita a la obra, con poco espacio formal para aquello que la hace ser arte.

Hay aún otra cuestión de fondo que la PNAB, tal como viene siendo ejecutada, no enfrenta, y Minas es ejemplo de ello: el arte profesional no está siendo estructurado. Una política cultural seria no es solo distribuir ayuda esporádica, es construir condiciones para que quien vive del arte pueda seguir viviendo del arte, con previsibilidad, con escala, con horizonte. Lo que veo, en cambio, son valores pequeños, pulverizados, pensados más para aliviar que para sostener. Becas y apoyos que apenas cubren el costo de un montaje, de una temporada, de un festival, de un proceso continuado de creación. Un grupo de teatro que necesita remunerar actores, técnicos, vestuarista, escenógrafo, productor, y además mantener una sede, no se estructura con un fomento que cabe en el límite de una línea estrecha y disputadísima. La política está tratando al arte como trabajo secundario, como complemento de ingresos, como gesto puntual de socorro. No como lo que es: trabajo, carrera, cadena productiva, patrimonio vivo de un país.

Estructurar el arte profesional exige valores compatibles, continuidad entre los ciclos y líneas pensadas para la realidad de quien produce a alto nivel. Nada de eso está en el horizonte del modelo actual.

La superposición entre los entes Y sobre los agentes culturales y artistas pesa además una confusión que roza el caos: la superposición de convocatorias entre los entes federativos. En el mismo año, a veces en los mismos meses, se abren convocatorias de la Unión, de los estados y de los municipios, cada uno con su plataforma, su cronograma, sus reglas, sus anexos, sus criterios y sus cuotas calculadas de modos diferentes. El artista, que debería estar creando, se convierte en un malabarista de plazos y formularios, llenando inscripciones paralelas, traduciendo el mismo proyecto a tres lenguajes burocráticos distintos, tratando de entender si puede acumular apoyos, corriendo el riesgo de ser descalificado en una convocatoria por un requisito que la otra ni siquiera exigía. Este cuadro revela una contradicción profunda: aunque el país avanzó en la creación del Sistema Nacional de Cultura y en la idea de una política cultural federativa, descentralizada y concertada, la práctica cotidiana aún está lejos de funcionar como sistema. En vez de que Unión, Estado y Municipio dialoguen, planifiquen calendarios complementarios, armonicen procedimientos y construyan una política integrada de fomento, lo que se ve muchas veces es un mosaico descoordinado, en el que cada ente corre su proceso como si los demás no existieran. El resultado es que la responsabilidad por la falta de articulación institucional termina siendo transferida al eslabón más frágil de la cadena: el propio agente cultural.

La descentralización, que debía ser una virtud de la PNAB, su capacidad de llegar a todos los rincones del país acaba volviéndose contra el propio agente cultural y artista, que se ve solo ante una multiplicación de convocatorias que nadie armonizó, en disputa por recursos escasos.

A esa descoordinación se suma una inquietud que circula en el sector: la posibilidad de que el recurso federal esté sustituyendo, y no sumando, las inversiones propias de estados y municipios.

Necesitamos datos e indicadores de eso con urgencia.

Rediseñar la PNAB Pero no escribo este texto, casi desahogo, para sepultar la PNAB. Lo escribo para salvarla.

La Política Nacional Aldir Blanc no puede seguir siendo ejecutada como una sucesión atropellada de llamados; necesita una recualificación profunda, un rediseño valiente en todos los niveles de quienes la operan. Si el problema es presupuesto, equipo y estructura administrativa, que eso se diga con todas las letras y se enfrente como tarea política, porque hay una paradoja en celebrar la PNAB como una inversión histórica en la cultura brasileña mientras, en la práctica, miles quedan fuera y los valores aprobados son demasiado pequeños para sostener procesos, grupos, espacios, festivales, obras y trayectorias a la altura de la ambición que la propia política anuncia. Eso no es tarea de un solo ente.

El gobierno federal necesita asumir la responsabilidad de coordinar, de armonizar reglas y plataformas, de ofrecer parámetros que impidan que cada estado y cada municipio reinventen solos la misma rueda torcida. Los gobiernos estaduales necesitan dejar de tratar la PNAB como mostrador de convocatorias y comenzar a construir, a partir de ella, una verdadera política de estado para la cultura y las artes, estructurante, continua, que reconozca las especificidades del fomento a las artes y a las demás dimensiones de la cultura, que evalúe con más de una mirada, que abra el recurso a una instancia independiente, que explique, con claridad, la nota, la clasificación, la suplencia o el rechazo de cada propuesta. Y los municipios, que reciben una parte significativa de los recursos, necesitan dejar de ser meros canalizadores de dinero federal para convertirse en formuladores de políticas culturales propias, enraizadas en su territorio. La Aldir Blanc prometió algo raro: una política de recursos continuados y capilares. Lo que falta ahora, a la altura de esa conquista, es transformarla de máquina de distribuir convocatorias en política pública robusta, inteligente, perenne. Hoy no tenemos previsibilidad en la PNAB. La Aldir Blanc nació de una escucha colectiva y de una lucha de muchas manos. Que esas mismas manos tengan ahora el coraje de rediseñarla, antes de que el desgaste lleve al sector a desistir de aquello por lo que tanto luchó para conquistar. Repensar la PNAB no es desmantelarla. Es honrar, con seriedad de gestión, su potencia.

Para que eso ocurra, será preciso, ante todo, un gran esfuerzo de reconocimiento. Primero, reconocer y estudiar los modelos interesantes que algunos pocos estados y municipios están desarrollando. Y reconocer que en muchos otros lugares las cosas no están bien. Eso no disminuye a la PNAB; al contrario, es el primer gesto serio de quien quiere preservarla. El Ministerio de Cultura, los estados y los municipios necesitan asumir, junto con el sector cultural y artístico, una tarea urgente de rediseño de la política, sin miedo de revisar procedimientos, instrumentos, calendarios, criterios, sistemas de evaluación y, si es necesario, incluso la división de recursos entre los entes y la propia ley que la instituyó. La PNAB no puede limitarse a cumplir ritos formales, publicar convocatorias y ejecutar recursos; necesita dejar de someter al sector a una competencia permanente de inscripciones, plazos, plataformas, documentos y dictámenes, y pasar a incorporar, de modo claro, un carácter estructurante para la cultura y las artes en Brasil.

Es justo reconocer que algunos caminos comenzaron a abrirse: la adhesión de 12 estados y siete capitales al Programa Nacional Aldir Blanc de Apoyo a Acciones Continuadas muestra que la idea de fomento plurianual ya empieza a aparecer como avance importante frente a la lógica episódica de las convocatorias de corto plazo. Aún será necesario acompañar su ejecución, evaluar sus resultados concretos y ampliar su alcance. Pero allí hay una pista decisiva: la PNAB solo estará a la altura de su propia historia cuando deje de ser apenas una fábrica de convocatorias y se transforme en una política estructurante de permanencia, continuidad, articulación federativa y responsabilidad real con la cultura y el arte de este país.

* Marcelo Bones es artista, director de teatro, gestor cultural e investigador de las políticas públicas de cultura. Fundador del Grupo Teatro Andante y de Andante – Gestão de Cultura, es también creador del Observatorio de los Festivales. Fue director de Artes Escénicas de Funarte, consultor del MINC, director del FIT-BH, gestor público en Belo Horizonte y Contagem, y actúa como consultor en políticas culturales, circulación artística, festivales e internacionalización de las artes escénicas

El mundo cruje

Redelae no solo habla de artes vivas, por eso proponemos revisar un poco el dilema político esencial del estado del mundo contemporáneo que radica en la tensión entre la paz, el diálogo y la legalidad, tanto como el sentido de especie y su sobrevida, es decir, una política orientada hacia la vida y la democracia. Pero este sentido se diluye en medio de las obsesiones de poder, control y posesión. La indiferencia manifiesta en numerosas naciones, organizaciones, instituciones y líderes resulta semejante a la observada en los años 1913 o 1933, cuando la atención se concentraba en los temas más inmediatos mientras millones de personas marchaban sin saberlo hacia la muerte. En el presente se expresa una anomia de las políticas de largo plazo y una grave anemia en la memoria histórica que será recordada en los años venideros como una de las derivas que nos condujo al pantano global. La inconsciencia respecto a la gravedad de los acontecimientos actuales es, por lo demás, un vacío cultural, ético y de racionalidad que persiste en un mar de noticias-espectáculo. Los derrumbes morales en la larga saga humana se confabulan cuando coinciden tensiones extremas de poder geopolíticas junto a unas élites internacionales de poca visión global, en marcos psicosociales de apatías próximas al hedonismo y tedios intelectuales emparentados con académicos y artistas insensibles, como acontece hoy a escala internacional.

Parafraseando la Poética de Aristóteles, se podría señalar que la diferencia entre el historiador y el poeta está en que el historiador signa lo que sucedió y el poeta lo que pudo o puede suceder. La poesía, de esta forma, vuela en lo imposible, mientras la historia se ancla en los hechos que, aunque complejos, son narrados desde su materialidad. En este siglo XXI sabemos con asombro que lo posible e imposible se confabulan en un mismo giro y crisis de la civilización, su historia inmediata y sus perspectivas (o más bien realidades) de violencias han descolocado a buena parte de las ciencias sociales y humanas, y al terreno creativo de las artes, arrinconándolas en análisis de coyunturas. Aun así, los estudios y escritos más sapientes de este tiempo hablan desde la perplejidad y la duda, no desde las certezas y dogmas.

El fin de las certidumbres marca el inicio posible de otras formas de narrar la realidad a través de las artes, y en particular de las artes escénicas. Se enfatiza poco la paz y mucho menos la convivencia en la diversidad, Desde otras perspectivas, se conceptualizan mundos líquidos e incertidumbres, azar e indeterminaciones, emergencias y rupturas desde una especie de perplejidad creativa que ya no mira a la historia como gran relato y mecánica del destino político del ser.

De aquí que debemos potenciar estos espacios en los que se cuece a fuego lento el concepto de las artes y la creación como saber polémico y argumentativo, activo y provocador. Un lugar en el que todo se estudia, cada cosa se debate y el argumento es la base del diálogo y del respeto. Un mundo sin las visiones críticas provenientes de sus músicos agotaría su visión de humanidad, remplazando el caminar por el deambular y el conocimiento por la posible estandarización de la creación artística interferida por la Inteligencia Artificial, que, a propósito, requiere urgentemente el trazado de límites éticos para esa interacción entre el mundo de las máquinas y de los seres humanos. Las artes son el territorio desde donde podemos asomarnos a la dimensión creativa en esas estéticas del presente que se permiten el uso de una herramienta que permite nuevas formas de expresarse y que hacen que la vida merezca ser cantada y que, como decía Gonzaguinha (cantor brasileño) “Pero eso no impide que yo repita: (la vida) “Es bonita, es bonita y es bonita.”

CRYSTAL PITE

CRYSTAL PITE

fue la escogida para redactar el mensaje que cada año se hace circular a través del mundo, en homenaje al DÍA INTERNACIONAL DE LA DANZA, el 29 de abril.

La artista canadiense, con una obra fulgurante desde Les Grands Ballets Canadiens a la Ópera de París, nos recuerda que la «danza está hecha de nosotros, y al mismo tiempo no nos debe nada. Solo necesita un cuerpo dispuesto a habitarla».

Mensaje 2026 por Crystal Pite

Los seres humanos se mueven —nuestros brazos se extienden, nuestras rodillas se flexionan, nuestras cabezas asienten, el pecho se repliega, la espalda se arquea; saltamos, encogemos los hombros, apretamos los puños, nos levantamos unos a otros y también nos apartamos. Todo esto es lenguaje, tanto como acción. Es lo que el cuerpo tiene que decir sobre la necesidad, la derrota, el coraje, la desesperación, el deseo, la alegría, la ambivalencia, la frustración, el amor.

Estas imágenes irrumpen en la mente cargadas de sentido porque las hemos sentido con una pureza radical en el cuerpo —hemos sido conmovidos. Somos bailarines, todos nosotros. La vida nos mueve; la vida nos danza. Tan efímera como el aliento, tan concreta como el hueso, la danza está hecha de nosotros. Esculpimos el espacio. Escribimos con el cuerpo en un lenguaje sin palabras que, sin embargo, comprendemos profundamente. Al danzar, habitamos con gracia el espacio interior y el que nos rodea. Como la vida, la danza se crea y se destruye a cada instante. Como el amor, está más allá de la razón.

Me gusta pensar el cuerpo como un lugar; un territorio donde el ser se sostiene y toma forma. Cuando bailamos, estamos profundamente implicados en ese estar. Escribo esto a comienzos de 2026, en un tiempo en el que la opresión, la convulsión y el sufrimiento parecen no tener fin en nuestro mundo. Cada día, al contemplar el horror de lo que los seres humanos somos capaces de hacernos unos a otros, y la maquinaria de poder que financia y alimenta una violencia indecible contra las personas y el planeta, la danza puede parecer una respuesta fácil, incluso inútil.

Cuesta imaginar qué puede hacer un artista de la danza en un mundo que necesita con urgencia una transformación radical y sanación. Y, sin embargo —el arte, como la esperanza, es una forma de amor. Generativo incluso en la desolación, el arte disuelve la mente que se endurece y actúa como un bálsamo que la repara. Es un espacio donde sostenernos mientras nos enfrentamos a las preguntas —juntos— de un modo distinto al de las noticias, distinto al del documental o la educación, distinto al de la opinión y las redes sociales, distinto al del activismo y la protesta, aunque no incompatible con ellos.

A través de la creatividad, vamos acumulando resistencia y esperanza mediante pequeños actos de valentía, curiosidad, cuidado y colaboración. En la danza, y en el acto de crearla, encontramos la prueba de que la humanidad es algo más que su último fracaso colectivo. Pero la danza no necesita justificación ni explicación.

Está hecha de nosotros y, sin embargo, no nos debe nada. Solo necesita un cuerpo dispuesto a habitarla. Desde ese lugar, puede traducir lo inefable, actuando como mediadora entre nosotros y lo desconocido. Nos conmueven esas huellas fugaces de belleza en el instante presente. Y al encarnar tanto la danza como su desaparición, recordamos nuestra propia impermanencia. Al mismo tiempo, si estamos atentos, la danza puede ofrecernos, de vez en cuando, un destello del alma.

Festival Santiago Off celebra 15 años

El Festival Internacional Santiago Off celebrará su 15º aniversario entre el 22 y el 31 de enero, con más de 50 espectáculos a precios accesibles, funciones gratuitas y una nueva edición de la Escuela Off, su espacio de formación artística.

La fiesta de las artes escénicas independientes cumple 15 años y acompañará la energía de este verano con más de 50 espectáculos provenientes de Chile, Colombia, México, España, Francia, Argentina y Brasil. El Festival Internacional Santiago Off 2026 llega con un espíritu celebratorio y con la fuerza propia de un proyecto que ha crecido junto a sus públicos, artistas y comunidades durante una década y media.

La nueva edición del Festival reúne una programación vibrante que incluye teatro, danza, música, performance e interdisciplina, manteniendo el sello internacional que caracteriza al encuentro.

“Lo nuestro es conectar a la gente con la escena contemporánea que está pasando ahora y que será historia mañana. Son artistas que están proponiendo lenguajes nuevos, arriesgando y moviendo los límites”, asegura Carla Valles, directora de Gestión y Contenidos del Festival.

Estos 15 años de Santiago Off se sostienen en la INSURGENCIA como una práctica de creación, encuentro y circulación para las artes escénicas: una irrupción creativa de nuevas voces, cuerpos y lenguajes que disputan sentidos en el presente. En un contexto de precariedad para la cultura independiente, este Festival reafirma las artes escénicas como un espacio activo de pensamiento, encuentro y disidencia; construido desde el territorio junto a artistas, públicos y comunidades.

La inauguración se realizará el jueves 22 de enero a las 19:00 horas en la Plaza de la Cultura del Centro Cultural Estación Mapocho, con una experiencia única en la que confluirán, de manera simultánea, el concierto de la banda chilena Metalengua, la presentación de la cantautora colombiana La Muchacha y la acción performática Hoguera, de la compañía La Patriótico Interesante.

En la programación internacional, uno de los espectáculos más destacados será AYOUB, de la performer argentino-española Marina Otero, que se presentará por primera vez en Chile este 23 y 24 de enero en la Sala de las Artes del Centro Cultural Estación Mapocho. Concebida como una conferencia performática, la obra aborda de manera directa y conmovedora temas como el amor, la migración, la identidad y el genocidio en Gaza, proponiendo un encuentro íntimo y político que enlaza biografías personales con los grandes conflictos globales de la actualidad.

En el ámbito nacional, la programación incluirá diversas propuestas locales, entre ellas la obra Pasta Base, de la compañía Teatro del Amor, que se presentará el 27 y 28 de enero a las 20:30 horas en el Teatro del Puente. Se trata de un monólogo dirigido por Nicolás Bascuñán y protagonizado por Felipe Zepeda, que explora la pesadilla cotidiana de un consumidor de pasta base en Chile.

Como cada año, el Festival contará con actividades gratuitas abiertas a la comunidad, junto con una nueva versión de la Escuela Off, su espacio de formación artística. Todas las actividades serán gratuitas y para todo público, con inscripciones que se abrirán a inicios de enero.

Durante diez días, el público podrá sumarse a una cartelera que cruza generaciones, territorios y lenguajes, celebrando los 15 años de un festival que se ha consolidado como un punto de encuentro cercano, vibrante y auténtico, hecho desde el territorio y pensado para las personas.

Festival Santiago Off es un proyecto financiado por el Fondo de las Artes Escénicas, el Fondo de Fomento de la Música Chilena y el Programa de Apoyo a Organizaciones Culturales Colaboradoras del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio. También gracias al financiamiento del Concurso de Industrias Creativas de ProChile, institución parte del Ministerio de Relaciones Exteriores de Chile.

La programación completa ya está disponible en www.santiagooff.com

8th Destinos: Festival Internacional de Teatro Latino de Chicago

Con un impacto económico de más de $1.2 millones en 2024, la Alianza de Teatro Latino de Chicago (CLATA) anuncia con orgullo la octava edición de Destinos: Festival Internacional de Teatro Latino de Chicago. Del 1 de octubre al 2 de noviembre de 2025, el festival de este año presenta dieciséis producciones teatrales, incluyendo estrenos mundiales, debuts nacionales y colaboraciones internacionales, en 13 teatros y espacios culturales de toda la ciudad y el noroeste de Indiana. 

“Vivimos en una época en la que el arte está siendo censurado, nuestras voces silenciadas y familias destrozadas”, declaró Jorge Valdivia, Director Ejecutivo de CLATA. “Ahora más que nunca, contar nuestras historias es un acto de resistencia y resiliencia. Es nuestra forma de recordar, luchar y sanar. Destinos, en esencia, es la vibrante comunidad teatral latina de Chicago, que amplifica nuestras historias y crea la visibilidad que tanto necesitamos”. Como uno de los festivales más importantes del país que celebra el teatro latino, Destinos eleva las voces latinas a través de una rica variedad de historias que exploran el amor, la identidad, la resiliencia y la transformación. 

Destinos nació como una forma de apoyar, cultivar y celebrar el talento local de Chicago. En el proceso, el festival de cinco semanas atrajo a artistas y fans de todo Estados Unidos y Latinoamérica. 

Para comprar boletos o más información, visite www.clata.org. El cartel y las ubicaciones de las salas se detallan a continuación. 

Lo más destacado del cartel del festival 

Se añadirán espectáculos adicionales semanalmente durante el festival. 

1ra SEMANA 

• 1-11 de octubre Teatro Inovarte (Chicago) – Contra Ritmo (Estreno mundial)Un musical que combina mariachi, ballet, espíritus ancestrales y amor queer en el Teatro Aguijón. [ENTRADAS] 
• 2-26 de octubre Colectivo El Pozo – Dulcci (Estreno mundial) 

Un drama bilingüe oportuno sobre identidad, inmigración y comunidad, en el Teatro Rivendell. ● 3-19 de octubre Subtext Studio – Saving Myself (Estreno mundial) 

Una comedia que explora la educación basada únicamente en la abstinencia a través de la mirada de cuatro jóvenes latinas, en el UrbanTheater. 

• 3-4 de octubre Jesús I. Valles – (Un)Documents (Estreno en el Medio Oeste) Un solo poético del nativo de El Paso, Jesús I. Valles, sobre identidad, indocumentación, sacrificio y identidad queer, en el Museo Nacional de Arte Mexicano. 

SEMANA 2 

• 9 de octubre Teatro Zona Rosa – La Jaula de Oro (Estreno mundial) Una comedia dramática política con influencias drag sobre la inmigración y la resistencia LGBTQ+, en el Center on Halsted. ● 10 de octubre, DAMA Productions – Chisme Un espectáculo de variedades latinas queer de una sola noche que celebra la comunidad, los chismes y el glamour, en el Center on Halsted. 

SEMANA 3 

• 17 de octubre – 15 de noviembre, Concrete Content – No Trailer (Estreno mundial). Un espectáculo de sketches inmersivo y concebido que utiliza tráilers de películas falsos para reimaginar el futuro de las personas latinas. ● 15 de octubre, Raíces to Roots – Desempacando

el hogar (Estreno mundial). Un espectáculo de música, danza y poesía que explora la pertenencia a través de la memoria ancestral, en colaboración con la Universidad de Indiana Northwest y la Escuela de Artes. 

SEMANA 4 

• 20 de octubre, Physical Festival – Scratch Night: Edición Destinos 

Una incubadora de teatro visual y físico original de artistas latinos en Chicago, en el Centro Athenaeum para el Arte y la Cultura. ● 22 de octubre – 9 de noviembre Visión Latino – Las Borinqueñas (Estreno en el Medio Oeste) Esta es la historia de los controvertidos experimentos detrás de la píldora anticonceptiva actual y las valientes mujeres puertorriqueñas que lo arriesgaron todo por la oportunidad de vivir en libertad, en Chicago Dramatists. ● 25 de octubre Raíces to Roots – Desempacando el Hogar (Estreno en Chicago) Un espectáculo de música, danza y poesía que explora la pertenencia a través de la memoria ancestral, en el Centro de Arte y Cultura Athenaeum. 

• 26 de octubre Isabel Quintero – La Osa Menor (Bajo la Luz de los Poemas de Mi Padre) Un viaje narrativo musical basado en el redescubrimiento de la poesía de su padre por parte de una hija, en el Centro de Arte y Cultura Athenaeum. SEMANA 5 
• 28 de octubre – 16 de noviembre Compañía de Teatro Repertorio Latino – No hay ladrón que por bien no venga 

Un ladrón y su esposa irrumpen en la vida de varias parejas infieles, exponiendo sus mentiras y creando una desenfrenada farsa de malentendidos en la Galería Citlalin. ● 29 de octubre Néstor Gómez – 80 Minutes Around the World 

Una muestra de narrativas de inmigrantes de todo el mundo, comisariada por Néstor Gómez, en el Teatro Shakespeare de Chicago en el Navy Pier. Narradores individuales a confirmar. ● 30 de octubre – 2 de noviembre Flor de un día (Argentina) – Nada del Amor Me Produce Envidia (Estreno en Norteamérica) 

Un drama musical unipersonal inspirado en cancionistas argentinos de la década de 1930, en el Virginia Wadsworth Wirtz Center de Chicago. 

• 31 de octubre – 14 de diciembre Teatro Aguijón – UZ: El Pueblo (Estreno en Norteamérica) 

Una comedia negra sobre la intervención divina y el caos existencial del reconocido dramaturgo uruguayo Guillermo Calderón, en el Teatro Aguijón. 

Un festival arraigado en la comunidad y la cultura 

El Festival Destinos de CLATA se ha convertido en una plataforma nacional para que artistas latinos presenten obras innovadoras que reflejan la complejidad de nuestras historias.

¡Se viene la novena edición del Festival Internacional de Artes Escénicas, FIDAE!

Del 10 al 19 de octubre Montevideo, Paysandú y San José

Bajo la premisa Imaginación Vital el próximo 10 de octubre comienza la novena edición del Festival Internacional de Artes Escénicas, que tendrá a España como país invitado y se llevará a cabo en simultáneo en Montevideo, Paysandú y San José.

Durante los diez días se sucederán, en las tres ciudades, espectáculos nacionales y extranjeros, talleres, conferencias, rondas de negocios e intercambios entre artistas y personalidades vinculadas al mundo de las artes escénicas contemporáneas. Entre las características propias de esta edición se destaca el hecho de que las tres ciudades elegidas funcionarán como sedes principales. Para lograrlo se alcanzaron acuerdos colaborativos entre el sector público, el sector independiente y las intendencias, con grupos independientes locales de cada departamento.

La programación de este año incluye más de 20 espectáculos nacionales e internacionales de teatro, danza, circo y títeres, con propuestas de alta calidad a cargo de elencos y creadores de España, Chile, Argentina, Brasil y Colombia. Una de las compañías más importantes de Chile, Bonobo, llega con Estampida humana; de Colombia llega Camargo, con dirección de Johan Velandia; de Argentina estarán presentes Gaviota, dirigida por Guillermo Cacace a partir de La Gaviota, de Chéjov, y dos obras también basadas en piezas clásicas con dirección de Emiliano Dionisi: Romeo y Julieta de bolsillo y Sueño, ambas inspiradas en las obras de Shakespeare y en un formato dirigido a grandes y chicos.

De Brasil llegan la formidable Azira’i y dos propuestas de circo para público familiar: Bagunça y No pocket. Entre las propuestas de España se destaca Ana por Ana, una obra de Histrión Teatro que cruza el barroco español con el arte flamenco, con la dirección de Paula Rodríguez, que además estará trabajando con alumnos de la EMAD desde mediados de setiembre. Un espectáculo que cruza a La Celestina con la figura de Margarita Xirgu (Tras ellas, también con dirección de Rodríguez) continúa la línea de trabajo que se vincula con el teatro clásico.

LA PARTICIPACIÓN ESPECIAL DE ESPAÑA COMO PAÍS INVITADO

Estarán presentes en el festival la directora del Festival de Teatro Clásico de Almagro, Irene Pardo, y la directora de la Compañía Nacional de Teatro Clásico de España, Laila Ripoll. Habrá rondas de negocios destinadas a espectáculos nacionales y un encuentro con programadores especialmente invitados, para compartir instancias de trabajo e intercambio que permitan seguir abriendo caminos para el teatro nacional en el exterior.

Este año el eje está en el ámbito iberoamericano, que es el que han venido frecuentando las propuestas uruguayas. De todos modos, se anuncia la voluntad de anualizar el Festival, y con ese objetivo ya se perfila Francia como país invitado para la próxima edición.

Conocé la programación en: www.fidae.mec.gub.uy

Festival Alternativo de Teatro Coahuila 2025

Del 11 al 18 de octubre, el Festival Alternativo de Teatro Coahuila (FATCoahuila) subirá el telón con una nueva edición que reunirá a artistas, compañías y públicos en una gran celebración del teatro Latinomericano. El acto inaugural se llevará a cabo el 11 de octubre a las 8:00 p.m. en el Teatro Alberto M. Alvarado, con la puesta en escena Del Tango al Diván, la actriz argentina Inés Montilla, marcando el inicio de una semana dedicada a las artes escénicas en toda su diversidad.

En esta tercera edición, Argentina será el país invitado de honor, y junto a ella participarán agrupaciones de Colombia, Guatemala, El Salvador y México, que compartirán escena y experiencias con los grupos locales. Entre las compañías internacionales destacan La Celestina, Tragicomedia de Lita de Marcialli Producciones, Gato Negro de Gabriela Céspedes, Abra Cadabra del Teatro Libre del Sur, Las Poderosas Teatro de Guatemala y El Teatro de los Sinvergüenza de El Salvador. Desde México llegan Jabalí de Papel (Nuevo León) y la coproducción Currutaco (Durango-Colombia). Además, el público vivirá una experiencia inmersiva con la obra Los Muertos, del grupo Telón de Arena (Chihuahua).

El FATCoahuila reafirma su compromiso con la proyección del teatro de Coahuila, siendo hogar y escenario para compañías que construyen desde este territorio una escena potente y en crecimiento, como Escénica Fantoche, Desierto Teatro, Tropa Cachivaches, Caracol de Luz, Torrente Teatral y Espinoza Producciones, entre otras.

Además de la programación artística, el festival mantiene su línea de intervención sociocultural, con proyectos como “Voces de las Mujeres”, desarrollado en alianza con Las Poderosas Teatro de Guatemala, que llega a su tercer módulo en Torreón con el Taller “Teatro que sana” para mujeres sobrevivientes de violencia. Este año, las participantes se estrenan como formadoras, compartiendo sus experiencias a través del microteatro.

El festival también da continuidad al Laboratorio del Cuerpo para Actrices y Actores, en articulación con la Universidad Autónoma de Coahuila, donde estudiantes del Programa de Artes Escénicas presentarán una jornada pedagógica que mostrará los avances de su proceso creativo. Asimismo, se realizarán dos talleres internacionales: Técnica Clown con los actores de Julieta Daga y David Piccoto, y Cajas Misteriosas, a cargo de la maestra Gabriela Céspedes, explorando la magia del teatro en miniatura.

La programación académica incluirá charlas con actrices y directoras de los grupos participantes, espacios íntimos de conversación en los que se abrirán las puertas del corazón para compartir sus travesías creativas y vitales en el teatro.

El FATCoahuila 2025 invita a todos los públicos a sumarse a esta gran celebración de las artes escénicas, que consolida a Torreón como un punto de encuentro del teatro latinoamericano, un espacio de diálogo, formación y creación desde el norte de México.

¡Llegó el momento del Teatro en todo el cuerpo!

Lo que late, lo que arde

Por: Raquel Araújo Madera*

Debajo de nuestra tierra pulsan ríos de sangre que hierve y emerge como lava, como palabra florida en cuerpos ardientes. La escena desaparece apenas se crea, en su vértigo de presentes sucesivos, se detiene ocasionalmente, cuando arde. Está latiendo el teatro latinoamericano.

Un teatro que habla con la naturaleza a través del mito, en paisaje y cantos… un teatro telúrico. Así, el Baldzam hace giros en el aire del antiguo Mayab y representa el cosmos. Vital y pulsante, nuestro teatro a veces se apaga, pero de sus cenizas revive ese fuego en la sangre que nos hace mover, decir, estremecer a quien acompaña, observa y participa. Miramos mirarnos en el teatro, bailamos y cantamos por dentro.

Con diversidad y alegoría, los teatristas latinoamericanos nos ponemos las pieles de Xipe Totec en una performance vital, nos desollamos y nos volvemos a poner la piel blanquecina, negra o prieta, roja y amarilla. 

Tlacuatzin, con su cola pelada, tatemada por robar el fuego para otorgarlo a los humanos, nos enseña su capacidad teatral de aparecer muerto ante el enemigo. Como nuestro dios actor el tlacuache, el Ix Toloch, mutamos, morimos y volvemos a la vida en la escena de los teatros autónomos, de las compañías nacionales, en los grupos estables y los grupos de aficionados, en el teatro escolar y en la comunidad. 

Somos piedra ardiente, fuego casi reducido a cenizas o incendio abrasador. Somos la mariposa que advierte al depredador con la representación estampada en sus alas. Latente entre las piedras, el teatro brota y arde. Como la orquídea que actúa con su colorido una escena que la emparenta con la avispa, o la vegetación que vibra y nos cuenta historias sin palabras. Acán, el dios maya de la embriaguez, patrono del balché y de la fiesta, se parece, pero es otro, y es nuestro.

Pretendo no ser fatalista ante el panorama bélico mundial, la devastación del planeta y la extinción de las especies, la inequidad, la falta de fondos para la cultura o de la casi impronunciable palabra arte en el discurso del poder… sino volver los ojos a la representación de nuestros teatros prehispánicos orgánicos y rituales, y hacer una metáfora del ardor con el teatro vivo y nuevo, potente y fulgurante de Latino América que no necesita copiar más a Europa.

Ante la pregunta ¿Cuál es el sentido de seguir haciendo teatro hoy en América Latina?  No redundaré en el paisaje de la violencia y la espectacularización de la banalidad, cuyas imágenes pasan y pasan, poblando vertiginosamente las pantallas que parecen colonizar el teatro de nuestra mente, en un tiempo fragmentado y estéril.

Por ello, parar y arder en presente. Hundir las manos en la tierra otra vez y reconocer, o por vez primera, saborear lo que somos. Conjurando la muerte cuando juega con ella, el teatro latinoamericano persiste en su encuentro con la vida. 

Los teatristas latinoamericanos, donde sea que nuestro quehacer se realiza, nos levantamos cada día con el ensayo previsto, la incansable búsqueda de recursos para la temporada, la gira, el festival; y en movimiento perpetuo, sin cesar, sin claudicar mantenemos a la compañía, el grupo, la organización grande o pequeña, en familia, sin familia, con abuelos, infancias y juventudes. Hacemos teatro por la paz, por la justicia, por las ideas, por la belleza, por la crueldad, por el gozo de la palabra y el cuerpo, por el encuentro. Tomamos la escena porque nos sigue faltando inventarnos, o reinventarnos o volver a entendernos, o entender al otro; por la alegría, por las infancias y las mujeres, por las masculinidades y la rica diversidad que se abre como flores aromáticas. Hacemos teatro por vernos y soñarnos, para hacer comunidad y por el acontecimiento puro de existir. 

Por el pasado y presente del Teatro Latinoamericano, por cada ensayo, cada función y cada espectador: nuestro teatro es el presente vibrante que ardiente se abrasa, y en su arder, aparece y vive.

*Actriz, dramaturga y directora de escena mexicana. Fundadora del Departamento de Artes Escénicas del Instituto de Cultura de Yucatán y del Centro de Investigaciones Escénicas de Yucatán, así como del Teatro de La Rendija. Ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte y Directora artística en varios festivales de artes escénicas

El Festival Internacional de Teatro de Manta llega a su 38 edición

La edición 38 del Festival Internacional de Teatro de Manta, Ecuador, se realizará del 17 al 25 de octubre con una programación que incluye espectáculos de Argentina, Colombia, Chile y Ecuador. El evento es organizado por la Fundación Cultural La Trinchera.

Las agrupaciones participantes son: los grupos de teatro de títeres “Bermejo” y “El Telón”, de Argentina; Nómade Teatro, de Colombia; Lafamilia Teatro, de Chile; las agrupaciones ecuatorianas Gestus, Mundos Opuestos y Gestus.

Toda la programación se realizará en el Centro de Artes La Trinchera de la ciudad de Manta.

El Festival Internacional de Teatro de Manizales levanta el telón

La ciudad de las puertas abiertas se prepara para vivir uno de los momentos culturales más importantes del año: el Festival Internacional de Teatro de Manizales (FITM), que celebra su edición número 57 entre el 26 de septiembre y el 5 de octubre.

El festival — el más antiguo de su género en Latinoamérica— reafirma a Manizales como epicentro teatral y cultural y también proyecta a Colombia en el mapa internacional del arte escénico. Cada año, miles de visitantes llegan a la capital caldense para encontrarse con las voces, los cuerpos y las historias que transforman el teatro en un lenguaje universal.

La fuerza visual de Pareidolia marcará la apertura del Festival

El viernes 26 de septiembre, el telón del emblemático Teatro Los Fundadores se levantará para dar inicio oficial al Festival con Pareidolia, un montaje entre Chile y España que abrirá 10 días de programación diversa y vibrante. Se trata de un espectáculo visual y sensorial en el que la fuerza expresiva radica en la creatividad y en el constante juego de transformación de los elementos escénicos, al servicio de sorprendentes asociaciones, analogías y metáforas capaces de involucrar creativamente al espectador.

Durante 70 minutos, esta propuesta invita a públicos de todas las edades, desde los 8 años, a redescubrir el mundo con ojos de niño a través del juego, la imaginación y la sorpresa, en sintonía con el espíritu del Festival: la búsqueda de nuevas miradas, la innovación en escena y la conexión con el público.

España, como país invitado, y otros cuatro países con una programación de lujo

El FITM 57 reunirá una selección plural de obras nacionales e internacionales. España, país invitado de honor, traerá al escenario montajes de gran impacto como Lorca en Nueva York, que cerrará el Festival con un homenaje poético a la obra de Federico García Lorca.

Seis países. España, Chile, México, Argentina, Uruguay y, por supuesto, Colombia harán gala de lo mejor del teatro internacional, consolidando a la ciudad como un escenario de referencia para el arte escénico en América Latina. La programación reunirá propuestas innovadoras que reflejan la diversidad cultural y creativa de compañías provenientes de distintas latitudes, fortaleciendo los lazos de cooperación artística y posicionando al Festival como un punto de encuentro donde el talento local y nacional dialoga con lo más destacado de la escena global.

El protagonismo del teatro colombiano

Este año, cinco compañías colombianas harán gala de su arte en distintos escenarios de la ciudad, consolidando al Festival como un espacio que valora y proyecta el talento nacional. La invitación es a que el público no solo asista a las funciones, sino que se apersone de él, lo viva como suyo y lo celebre como lo que es: uno de los mayores símbolos culturales de Manizales a lo largo de las décadas. Porque el teatro es arte, es cultura y forma parte de nuestra idiosincrasia, una expresión que nos conecta con nuestras raíces y al mismo tiempo nos abre al diálogo con el mundo.

7.º Congreso Internacional de Teatro

El congreso, que se realizará del 30 de septiembre al 3 de octubre de 2025 en el Centro Cultural y de Convenciones Teatro Los Fundadores, girará en torno a la temática La política y lo político en el teatro iberoamericano y contará con un formato mixto (presencial y virtual) para ampliar la participación y el alcance internacional.

Este encuentro académico se ha consolidado como un escenario indispensable dentro, donde se analizan los vínculos entre teatro, sociedad y política a través de conferencias, mesas de trabajo, diálogos y presentaciones editoriales.

Ejes Temáticos

Entre las actividades complementarias, se encuentran la presentación de libros, antologías y novedades editoriales, proyecciones de documentales y archivos teatrales y espacios de diálogo entre investigadores, críticos, dramaturgos y artistas.

La programación completa del 7.º Congreso Internacional del Festival de Teatro de Manizales con detalle de horarios, mesas y ponentes está disponible en www.festivaldemanizales.com/congreso.

Invitación a la ciudad y al mundo

El Festival Internacional de Teatro de Manizales 57 no es solo una serie de funciones. Es un encuentro cultural que involucra charlas, talleres, actividades académicas y espacios de reflexión. Durante estos días, los escenarios de la ciudad se convierten en puntos de diálogo entre artistas, estudiantes, críticos y espectadores que viven el teatro como una experiencia transformadora. Es un llamado a vivir la ciudad desde la cultura, a recorrer sus teatros, a disfrutar de su tradición hospitalaria y a dejarse llevar por el poder de las artes escénicas.

La programación completa, horarios y escenarios pueden consultarse diariamente en  www.festivaldemanizales.com/programacion, donde también se actualizan novedades y se facilita la compra de boletería.

26 Encuentro Internacional Manta por la Danza

El 26 Encuentro Internacional Manta por la Danza inicia este fin de semana

El Encuentro Internacional Manta por la Danza celebrará sus 26 años de vigencia con una excelente programación nacional e internacional que se iniciará este viernes 27 de junio, en el Centro de Artes La Trinchera. 

El evento es organizado por la Fundación Cultural La Trinchera. Cuenta con el auspicio del Instituto de Fomento a la Creatividad y la Innovación (IFCI), el Ministerio de Cultura y Patrimonio.  Los apoyos de Solydar y producciones La Pinchagua. La programación en este año contempla actividades en los meses de junio, julio y agosto, con talleres y presentaciones artísticas y manta y el cantón 24 de Mayo.

Colombia abre el Encuentro

La destacada agrupación colombiana Cortocinesis inaugurará el 26 Manta por la Danza, este viernes 27 de junio,  con la obra “Volátil” Recitales de la desaparición. La función será a las 19h30, en La Trinchera.

Cortocinesis es una de las agrupaciones dancísticas más importantes de Colombia, con un amplio recorrido internacional y múltiples reconocimientos en su país.

La obra “Volátil” es una exploración escénica en torno a los desaparecidos y la violencia que ha azotado a Colombia. La propuesta fusiona la danza y el teatro sustentada en una solvente interpretación de sus artistas.

SÁBADO COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA

El sábado será el turno de  la Compañía Nacional de Danza que este año traerá las obras “Los cuerpos que suenan” y “La gran nostalgia”. La función también será en La Trinchera, a las 19h30.

TALLERES 

El “Manta por la Danza” también ofrecerá talleres de formación y capacitación para bailarines y coreógrafos de la provincia. Los días 25 y 26 de junio, el maestro cubano Jorge Alcolea, director artístico de la Compañía Nacional de Danza brindará el taller “Partituras Móviles”. La participación será gratuita. El local será el Centro de Artes La Trinchera.

FITEI 48

La 48.ª edición del FITEI se desarrolla entre Oporto, Matosinhos, Vila Nova de Gaia y Viana do Castelo, a las que este año se une Monção. Preparémonos todos para que las próximas semanas sean de «Espectros, Eros y Sacrifício».

Las diversas crisis que han asolado estas primeras décadas del siglo XXI, como la crisis climática, la de las migraciones, las guerras, la pérdida del sentido de lo común, el agotamiento de los recursos del planeta en paralelo a una grave crisis de salud mental, han constituido las bases para la construcción temática de las últimas ediciones del FITEI. Estas enormes señales de alerta para el humano y el no humano, nos ayudaron a construir el tema del último bienio «Trauma y Bravura», que acabamos de unir a la palabra «Fantasmagorías».

Porque entendemos que estos ejes temáticos no están agotados, el FITEI 48 tiene por título y motor temático «Espectros, Eros e Sacrifício – Nosso impensado». «Nosso impensado» es un concepto presente en la obra de Eduardo Lourenço, cuando se refiere a quinientos años de colonialismo portugués. Esta dimensión espectral marca el resentimiento y el deseo de sacrificio. En un tiempo en el que se habla de deuda e indemnización, el FITEI como lugar privilegiado de diálogo entre las antiguas potencias colonizadoras ibéricas y el sur global, asume la dimensión mágica y ritualizada que muchas de estas cuestiones plantean. Presentando la imagen de Próspero y Caliban, personajes de «Tempestad» de Shakespeare, Eduardo Lourenço, marca así lo complejo del colonizador y del colonizado. En un universo en constante transformación, en este planeta trans, como cita Paul B Preciado, en un tiempo en el que es más fácil imaginar el fin del mundo que el fin del capitalismo, recuperando a Mark Fisher, Jameson o Zizek, es particularmente importante para nosotros presentar obras que puedan reflexionar sobre la forma de cómo no perdemos la memoria, sobre el no humano, sobre la locura del amor, sobre la muerte y la ilusión, sobre el susurro y el imposible.

Intentamos encontrar en los artistas que hemos acompañado las marcas que el tiempo presente ha dejado en ellos. Como viene siendo habitual en los últimos años, el tema que trabajaremos tiene lugar observando estrechamente el trabajo de los artistas. El FITEI destaca en el universo de los festivales nacionales e internacionales por trabajar en el triángulo atlántico, real e imaginario, de Europa, África y América. Manteniendo el carácter de la Expresión Ibérica, en los últimos años nos hemos estado interesando particularmente por los artistas de la diáspora de estos tres territorios, expandiendo así lo que se entiende por Expresión Ibérica. Una vez más, en una nueva edición, nuestro foco principal será las nuevas dramaturgias y los lenguajes escénicos de autor.

En esta edición presentamos 16 espectáculos, 10 nacionales y 6 internacionales, 6 estrenos nacionales y 4 absolutos, muchos de estos espectáculos resultantes de coproducciones nuestras y residencias artísticas en el contexto del FITEI. Continuaremos con nuestras secciones «Isto não é uma escola FITEI» «FITEI aberto», «Residências Artísticas FITEI», «O FITEI e as escolas do Porto» y «FITEI PRO», resultando en una cantidad expresiva de actividades paralelas.

MUECA 2025

Puerto de la Cruz dibuja sus ‘Coordenadas de la Alegría’ y presenta la programación completa de MUECA 2025

Más de una treintena de propuestas escénicas regionales, nacionales e internacionales componen el programa de actos de la XXIII edición del Festival Internacional de Arte en la Calle de Puerto de la Cruz

Puerto de la Cruz, 2 de abril de 2025.-  El Festival Internacional de Arte en la Calle de Puerto de la Cruz, MUECA, ya cuenta los días para embarcarse en su vigésimo tercer viaje hacia las Coordenadas de la Alegría, una travesía que arranca el 8 de mayo y culmina el domingo 11, y que transformará la ciudad en un gran escenario al aire libre para más de una treintena de propuestas de artes escénicas traídas de todas las latitudes.

Durante estos cuatro días, el teatro, el circo, la danza, la música, el arte urbano y las actividades para toda la familia se convertirán en agente transformador y también en motivo para el encuentro y la emoción compartida. MUECA cumple así 23 años de historia y de apuesta por una forma de entender el arte y la cultura que invita a la celebración. Todo ello ha sido posible gracias al trabajo conjunto que vienen desarrollando el Ayuntamiento portuense y la plataforma de trabajo Cómplice MUECA, en colaboración con instituciones, entidades y tejido cultural y social.

Compañías regionales, nacionales e internacionales, referentes en el mundo de las artes en la calle se darán cita en diferentes espacios dispuestos en la ciudad, como viene siendo habitual. Algunos de dichos espacios sumarán un nuevo apellido en esta edición para destacar a instituciones, empresas y asociaciones que guardan un gran vínculo con el Festival. 

MUECA 2025 espectáculos en el Espacio Muelle Aqualia, Espacio Nicko Grupo Compostelana, Espacio Penitente Turismo de Tenerife, Espacio Muelle Valoriza, Espacio Playa de Martiánez Asociación ANTAD, Espacio Plaza Reyes Católicos Loro Parque Fundación, Espacio Plaza Concejil Fundación El Buen Samaritano y Espacio Plaza de la Iglesia Asociación Animal Club. A estos se suma el Universo del Movimento de Playa de San Telmo y el Universo de la Música de La Ranilla. 

Casi la totalidad de las representaciones serán de acceso libre y gratuito, exceptuando cinco montajes por cuestiones técnicas y de aforo: el estreno absoluto de Abubukaka, Foscurí; la primera puesta en escena en España de Copenhagen Collective, The Genesis; y los debuts regionales Mobius (Rogu) y Rêves (Inshi). También se necesitará entrada para disfrutar de los títeres de la compañía grancanaria Ángulo Producciones, Cazopera. A un precio simbólico de 2 euros, los tickets para cada uno de los pases se podrán adquirir a través de la plataforma tomaticket.es. 

En paralelo, MUECA Literario y Urban MUECA ocupan en esta edición la Plaza de la Iglesia Asociación Animal Club Protectora, un espacio que favorecerá el diálogo entre los libros y el diseño. Este Universo Creativo suma también talleres, charlas y actividades complementarias que invitarán a todos los públicos a disfrutar del ingenio, la literatura y el arte hecho en Canarias.   

Toda la información sobre la programación se puede consultar en la web oficial del Festival festivalmueca.com y en sus redes sociales.

Así lo dio a conocer el alcalde de Puerto de la Cruz, Leopoldo Afonso, a los medios de comunicación y a la sociedad canaria este martes, 29 de abril, en el espacio cedido por la Fundación CajaCanarias como oficina del Festival, acompañado por Desirée Díaz, concejala de Cultura del Ayuntamiento portuense; Carmen Nieves Farrais, miembro de la Plataforma Cómplice MUECA; José Carlos Acha, consejero de Cultura del Cabildo de Tenerife; Enrique Reina, director de Aqualia; María José Baute, representante de Valoriza; Ricardo Fernández de la Fuente, director de Relaciones Institucionales del Grupo Loro Parque, y Juliana Serrano, artista participante en MUECA 2025.  

“Hoy presentamos no solo un festival, sino el resultado de una política cultural que entiende que el arte en el espacio público es una herramienta poderosa para construir comunidad, fortalecer nuestra identidad y proyectar nuestra ciudad al mundo”, arrancó el alcalde. “MUECA se ha convertido en un símbolo de cómo la cultura puede ser un motor de transformación urbana, social y económica. Desde aquí, desde Puerto de la Cruz, mostramos que una ciudad pequeña puede tener una voz fuerte y reconocida en Europa y más allá, gracias a una apuesta firme por la creatividad, la apertura y la innovación”.

Este año, el Festival ofrece “un programa que combina excelencia y diversidad: teatro, danza, circo contemporáneo y performance dialogan directamente con la ciudad y con su gente”, continuó la concejala Desirée Díaz. “Hemos trabajado para que el nivel artístico de cada propuesta esté a la altura de lo que MUECA representa: un festival de referencia, un escaparate para la creación y una plataforma para el diálogo cultural”.

En nombre de la plataforma Cómplice MUECA, acudió a la presentación Carmen Nieves Farrais. “Es un privilegio, como miembro de la Plataforma Cómplice MUECA, poder compartir con ustedes una parte fundamental del corazón de este festival: el trabajo de cogestión ciudadana que le da vida. Este es, ante todo, el fruto de un modelo de construcción colectiva que implica durante todo el año a personas comprometidas con su ciudad y con la cultura”. 

En esa misma línea se expresó el consejero de Cultura del Cabildo de Tenerife que hizo énfasis en el modelo de gestión del Festival. “MUECA no solo es un evento cultural de enorme prestigio, sino también un modelo de gestión ejemplar en cuanto a participación ciudadana, dinamización urbana y proyección exterior. Un modelo que ha sabido evolucionar, adaptarse y crecer sin perder su esencia: llevar el arte a las calles, ponerlo al alcance de todas las personas y situar a Puerto de la Cruz en el mapa cultural internacional”.

“Hoy tengo el honor de hablar no solo en nombre propio, sino también como representante de las artistas y los artistas que formamos parte de esta nueva edición de MUECA”, fueron las primeras palabras de Juliana Serrano, artífice del proyecto Apodos, mediante el cual interviene artísticamente las fachadas de las casas del barrio de La Ranilla. “En esta edición tengo el privilegio de continuar con Apodos, un proyecto que forma parte de Puerto Street Art y que invita a descubrir la ciudad a través de los nombres que nos definen, que nos transforman, que nos cuentan sin que a veces seamos conscientes”.

Apodos es un diálogo entre identidad y territorio, una manera de recorrer Puerto de la Cruz desde las pequeñas historias que construyen la memoria colectiva de nuestro pueblo.

Para Enrique Reina, de Aqualia, estar en MUECA “no es solo un deber, es un privilegio devolver, en cierta medida, la confianza que los ciudadanos confían en nosotros como proveedores del servicio de agua”. Por su parte, María José Baute, representante de Valoriza, también aprovechó para agradecer la oportunidad que le otorga el Festival para transmitir “la importancia del reciclaje y del mantenimiento del espacio público para promover el encuentro”. 

Finalmente, para el grupo Loro Parque “es un placer volver a colaborar con MUECA”. “Esta edición tiene un programa muy completo e interesante”, sentenció su director de Relaciones Institucionales, Ricardo Fernández de la Fuente, y adelantó que en el Espacio Plaza Reyes Católicos Loro Parque Fundación se realizará una completa y llamativa exposición de cetáceos a tamaño natural. “Buscamos crear conciencia, a través de la educación, sobre el cuidado y conocimiento de nuestro entorno”, concluyó. 

Una ciudad convertida en auditorio al aire libre

MUECA 2025 extiende su programación por Puerto de la Cruz, convirtiendo varios espacios de la ciudad en puntos de encuentro. 

Así, el Espacio Nicko Grupo Compostelana será escenario para el humor, el juego y la complicidad con el público. Allí, Rauxa presentará La crisis de la imaginación, un viaje entre lo onírico y lo absurdo; Cía. PAI dinamizará con Muévete con los Campanos; y Perrakos Soundsystem desatará la fiesta con su propuesta musical y teatral más desinhibida.

Mientras tanto, en el Penitente Turismo de Tenerife se dará espacio a dos grandes propuestas internacionales que exploran el cuerpo, el movimiento y la transformación. Copenhagen Collective dará vida, por primera vez en España, The Genesis, una pieza coral de circo contemporáneo que celebra la fuerza del colectivo. Por su parte, ROGU desplegará Mobius, un espectáculo de artes del fuego que lleva el riesgo y la narrativa visual a nuevas alturas.

En el Espacio Muelle Aqualia, el humor, la poesía visual y la fábula contemporánea serán protagonistas. Abubukaka estrenará Foscurí, una comedia absurda y crítica, fiel a su estilo; la compañía ucraniana Inshi presentará Rêves, un delicado espectáculo de circo contemporáneo; y Ángulo Producciones ofrecerá Cazopera, una historia para público familiar que reflexiona sobre la convivencia desde el juego escénico.

El Espacio Muelle Valoriza acogerá el vuelo de Grupo Puja con Verne, una gran producción de teatro aéreo inspirada en los viajes extraordinarios de Julio Verne. Una experiencia de ciencia, fantasía y movimiento que elevará la mirada y la imaginación del público en pleno corazón de Puerto de la Cruz.

El Espacio Playa Martiánez Asociación ANTAD Adicciones reunirá propuestas que celebran el ritmo, el virtuosismo y la conexión con el entorno. La Cía. Emiliano Alessi desplegará su humor gestual en Tei Tei; Juriy Longhi sorprenderá con su maestría en malabares y equilibrios en Bubble Street Cirkus; Bloko hará vibrar la percusión colectiva con Ubuntu… soy porque somos; y el talento local brillará con la Escuela Municipal de Música de Puerto de la Cruz y la Agrupación Musical Puerto de la Cruz.

El Espacio Plaza Reyes Católicos Loro Parque Fundación será escenario de la destreza, el humor y la imaginación desbordante. Allí se encontrarán Yiyolo Stratto, con su Dr. Malabar, un espectáculo donde el clown y la técnica circense se entrelazan con ternura y comedia, y Hands Down Circus con Tape That!, una original propuesta donde la cinta adhesiva se convierte en herramienta de juego, construcción y acrobacia.

El Espacio Plaza Concejil Asociación Canaria El Buen Samaritano será un lugar de encuentro entre la palabra, la música y la emoción. Allí actuarán los Coros Escolares de Puerto de la Cruz, el alumnado del IES María Pérez Trujillo con Aquelarre Lorquiano, la compañía argentina Criolla con sus versiones libres de Shakespeare, y Teatro Só con Sorriso, una delicada historia de amor y memoria sobre zancos traída de Portugal y a la que le sobran las palabras.

La Plaza de la Iglesia Asociación Animal Club Protectora será el corazón del Universo Creativo de MUECA 2025. Allí convivirán Urban MUECA, con diseño independiente, talleres, cuentacuentos y propuestas locales, y MUECA Literario, un espacio para el encuentro con libros y la palabra como forma de creación y reflexión compartida.

Las calles de La Ranilla acogerán el Universo de la Música de MUECA, con sonidos que conectan tradición, experimentación y emoción se dejarán oír en este barrio costero. Fajardo ofrecerá un recital íntimo donde conviven composición e improvisación; Nuria Herrero explorará el ritmo como lenguaje sensorial; Julia Rodríguez fusionará raíces canarias y contemporaneidad; y Yexza Lara improvisará desde el arte sonoro analógico en diálogo con el espacio.

Por su parte, la compañía portuense La Pandilla dará vida a su espectáculo itinerante EEEH! Emergencias Escénicas Heterogéneas, una propuesta que ofrecerá primeros auxilios de tragedia y comedia allí donde se detecte una emergencia emocional. Sin rumbo fijo, llevarán humor, teatro y sorpresa a cada esquina de la ciudad.

Finalmente, el Universo del Movimiento invadirá la Playa de San Telmo con una programación que explora el cuerpo como territorio de creación, resistencia y encuentro. Actuarán Raquel Jara, Traspuesto & DiabloRojo, La Sísmica, Carmen Macías, Abián Hernández, Andrea Pérez, Andrea Catania, Cía. Carmen Fumero y Cía. El Jablero. Además, Acerina Amador extenderá su presencia escénica tras el taller de danza Salsa, sol y resistencia, que impartirá entre el 5 y el 9 de mayo, junto a Víctor H. Correa, en la Sala Andrómeda, del Complejo Turístico Costa Martiánez, entre las 18:00 y las 20:00 horas. Para formar parte de esta iniciativa que busca conectar el cuerpo y el pensamiento en el espacio público, se mantienen abiertas las inscripciones enviando un correo electrónico a informacion@festivalmueca.com.

 Colaboradores de MUECA 2024

MUECA 2025 cuenta con la organización del Ayuntamiento de Puerto de la Cruz, su Área de Cultura y la Plataforma Cómplices MUECA. Además, repiten como colaboradores estratégicos Aqualia, Valoriza y Turismo de Tenerife, y se suma en esta edición Loro Parque Fundación. 

Entre los colaboradores del Festival se apuntan INAEM, REDELAE, Cabildo de Tenerife, Macaronesian Hotels & Resorts, Grupo Compostelana,  Gran Hotel Taoro, Fundación CajaCanarias, Hotel Maga, Hotel Magec, Grupo El Padrino, Restaurante Chingón, Nestlé.

2025: un año para conmemorar y celebrar la riqueza y pluralidad de las artes escénicas

Durante 2025 se conmemora el Año Iberoamericano de las Artes Escénicas, una iniciativa que busca destacar y poner en valor el impacto positivo del circo, la danza, el teatro y las artes vivas en nuestras sociedades.

FAE Panamá 2025

FAE Panamá presentará lo mejor del teatro y la danza del mundo

La Fundación pro Artes Escénicas y Audiovisuales ofrecerá del 9 al 13 de abril el 14º Festival Internacional de Artes Escénicas (FAE Panamá 2025), el más importante encuentro del teatro y la danza contemporánea del país, que reunirá a las mejores compañías y especialistas del mundo, con énfasis en Iberoamérica, en ocasión de llegar en esta edición a sus 21 años de creación.

El FAE Panamá se realizó por primera vez en 2004 y además de haberse convertido en reconocida vitrina artística de alto nivel, lleva adelante segmentos sociales gratuitos como El FAE llega a las escuelas del barrio, que presenta teatro a niños de las escuelas primarias públicas de sectores populares; el Laboratorio Formativo FAE, que permite a estudiantes de artes escénicas y artistas jóvenes fortalecer sus conocimientos por medio de actividades formativas y El FAE al aire libre, que ofrece arte escénico en plazas de la ciudad para toda la familia.

Siete países presentarán sus mejores espectáculos y los conocimientos de sus especialistas en esta gran fiesta escénica, ellos son Argentina, Colombia, Costa Rica, España, Panamá, Perú y Portugal, que se presentarán en diversos escenarios tales como el Teatro Nacional, el Ateneo de la Ciudad del Saber, el Teatro Anita Villalaz, el Espacio San Lorenzo y la plaza V Centenario del Casco Viejo.

De Argentina llegará el controversial espectáculo MATÁTE, AMOR, del tándem Marilú Marini – Erica Rivas, que da vida a una mujer que se siente atrapada por su casa, su marido y su maternidad y busca librarse; por Colombia estará la reconocida, La Congregación Teatro, con OMISIÓN, de Johan Velandia, un intenso montaje sobre el caso real de la violación y muerte de una niña indígena en Bogotá y de España vuelve el multipremiado Titzina Teatro de Barcelona, con BUHO, una potente puesta en escena en la que un antropólogo forense sufre un accidente que le cambia la vida.

Portugal dirá presente con MAR PERDIDO, de Marianela Boan con la Cía. Alentejana de Danza, un llamado de atención sobre las consecuencias de la contaminación marina, mientras que BRUMA, del Teatro del Cielo del Ecuador, pondrá de manifiesto los conflictos que atraviesa el ser humano frente a la burocracia, el abuso de poder y la corrupción; URPILA, del Teatro Arena y Estera del Perú, señala el olvido que tienen los hombres frente a la naturaleza, y LA BRECHA, coproducción entre Costa Rica y Panamá, expone el terrible camino que se hacen tres migrantes por el tapón del Darién.

La representación de Panamá estará a cargo de Malamaña Teatro, de Maritza Vernaza, con la obra TÍA SAM, ambientada en la Zona del Canal en los años 40 y que presenta a una mujer estadounidense que capacita al personal que recién llega al supuesto paraíso tropical; y el Colectivo de Danza Ekléctico con LA ESPERA, que refleja las encrucijadas de quienes buscan escapar de los tormentos de su propia mente.

Los detalles de teatros, artistas y programación, están disponibles a través de los medios de comunicación, de la web del festival  www.faepanama.org y de sus redes sociales FAE Panama en Facebook, Twitter, Tiktok e Instagram.

4to Festival Internacional de Teatro Progresista

Del 10 al 20 de abril de 2025

El teatro progresista, en este contexto, se convierte en un vehículo para la transformación social, invitando al público a no solo ser espectadores pasivos, sino a participar activamente en la construcción de un mundo más justo y equitativo. El festival, por tanto, no solo celebra el arte teatral, sino que también reafirma el poder del teatro como agente de cambio y como espacio para imaginar futuros posibles.

195 artistas internacionales, 30 salas de teatro a nivel nacional, 22 países y 26 espectáculos internacionales.

Día mundial del teatro, 2025

Autor del Mensaje: Theodoros Terzopoulos (Grecia)*

¿Puede el teatro escuchar la llamada de auxilio que los tiempos modernos están enviando a un mundo habitado por ciudadanos empobrecidos y encerrados en las celdas de la realidad virtual y atrincherados en su asfixiante privacidad? ¿Puede hacerlo en un universo de existencias robotizadas dentro de un sistema totalitario de control y represión que abarca la totalidad de la vida?

El teatro ¿está preocupado por la destrucción ecológica, el calentamiento global, la pérdida masiva de biodiversidad, la contaminación de los océanos, el derretimiento de los hielos, el incremento de los incendios forestales y los eventos climáticos extremos? ¿Puede el teatro ser parte activa del ecosistema? Durante muchos años ha sido un espectador más del impacto que hemos tenido los seres humanos en nuestro entorno y se ha visto en dificultades para lidiar con este problema.

¿Le preocupa al teatro la manera en que la condición humana está siendo moldeada y manipulada en el siglo XXI por intereses políticos y económicos, los grandes medios informativos y las compañías que configuran la opinión general? ¿Se preocupa por el papel asumido por las redes sociales que facilitan la manipulación y se convierten en obstáculo, casi insalvable para la comunicación con el Otro?

Un sentido generalizado de temor por el Otro, el Diferente, el Extraño, domina nuestros pensamientos y nuestras acciones. ¿Puede el teatro funcionar como un espacio de trabajo para la coexistencia de las diferencias sin tener en cuenta la herida abierta?

La herida abierta nos invita a reconstruir el Mito. Palabras de Heiner Müller: “el Mito es un agregado, una máquina a la cual siempre se pueden conectar nuevas y diferentes máquinas. Transporta la energía hasta que la creciente velocidad explota el terreno cultural” y, yo añadiría, el terreno de la barbarie.

¿Puede el teatro arrojar luz sobre los traumas sociales y dejar de arrojar luz sobre sí mismo?

Preguntas ciertas que hace Dioniso al teatro cuando pasa por su lugar de nacimiento, el escenario del edificio teatral, y, cual refugiado, continúa su silencioso viaje a través de los paisajes bélicos hoy en día: el Día Mundial del Teatro. Preguntas que no permiten respuestas definitivas, porque el teatro existe y perdura gracias a preguntas sin respuestas.

Miremos en los ojos de Dioniso, el extático dios del teatro y del Mito, que une el pasado, el presente y el futuro; el hijo de dos nacimientos, Zeus y Semele; la expresión de las identidades fluidas, hembra y macho, iracundo y gentil, divino y animal, en el límite entre la locura y la razón, el orden y el caos; un acróbata en la frontera entre la Vida y la Muerte. Dioniso formula la pregunta fundamental ontológica: “¿de qué se trata?”. Pregunta que conduce al creador a realizar una investigación cada vez más profunda en la raíz del mito y de las múltiples dimensiones del enigma humano.

Necesitamos nuevas formas narrativas cuyo objetivo sea cultivar la memoria y darle forma a una nueva responsabilidad moral y política que emerja de la actual dictadura multiforme de esta nueva Edad Media que vivimos en nuestros días.

Traducido de la versión en inglés por Álvaro Franco, Gilberto Bello y Epifanio Arévalo – RET Colombia – ITI Network for Higher Education in Performing Arts.

*Director Teatral, Educador, Autor, Director y Fundador de la Compañía Teatral Attis, Inspirador de las Olimpiadas teatrales y Presidente del Comité Internacional de las Olimpiadas Teatrales.

dFERIA 2025

dFERIA: EXPLOTACIÓN
16 al 20 de marzo

La XXXI edición de dFERIA tendrá lugar del 16 al 20 de marzo y girará en torno al leit motiv ESPLOTAZIOA – EXPLOTACIÓN. En esta edición Alemania, Austria y Suiza serán los países invitados, con especial protagonismo de varias de sus compañías, gracias a la colaboración de instituciones públicas y privadas de dichos países.

dFERIA contará con 33 compañías que representarán 34 espectáculos (en 54 funciones).En cuanto a la selección de las propuestas, cabe subrayar que un buen número de espectáculos (70%) se estrenará en dFERIA: cuatro a nivel mundial, dos en Europa, dos estrenos estatales y 16 debuts en Euskadi.

Por disciplinas, el 41% del programa estará dedicado a la danza, otro 38% al teatro, habrá cuatro espectáculos circenses (12%) y otros tres de disciplinas varias (9%). En cuanto a la procedencia de las compañías extranjeras este año llegarán de Italia, Argentina, Rusia,Alemania, Austria, Suiza, Uruguay y Colombia.

Las entradas están a la venta a través de la web y en las taquillas del Teatro Victoria Eugenia y Teatro Principal.

Singular 2025

SINGULAR, el festival internacional del monólogo teatral de Narón, ya tiene todo listo para la edición de su 10º aniversario, que celebrará del 7 al 30 de marzo en el Pazo da Cultura. elizabethbaby18 spotlight archive Como en años anteriores, las actuaciones se complementaran con un programa paralelo en el que descata la Rueda de Negocios para promover la contratación internacional de las compañías gallegas.

Temporada Alta en Montevideo 2025

Con el Festival Internacional Temporada Alta en Montevideo. @amberglenniceskater Sala Verdi abre su temporada 2025.

Temporada 2025 En Discusión

La dictadura cívico militar imperante en nuestro país entre junio de 1973 y febrero de 1985 fue una afrenta a las libertades de uruguayos y uruguayas que se materializó de diversas formas. Entre tantas barbaridades la censura y el control a artistas fue una práctica sistemática. Vale recordar por ejemplo que en la Intendencia de Montevideo el gobierno de facto creó el Servicio de T eatros Municipales con la clara intención de que una estructura burocrática estuviera por encima de los cuerpos estables y las escuelas de formación artística. Recién entrado el siglo XXI ese aparato fue desmembrándose. Sobrevino el cierre del Teatro Solís por una necesaria reforma edilicia pero también por una impostergable readecuación administrativa que se concretó con la reapertura en 2004, ya sin la presencia del mencionado Servicio que de todas formas seguiría orgánicamente activo por un tiempo más. Por esos años también la Comedia Nacional comenzó su proceso de reestructura que dotaría al elenco oficial de mayor autonomía artística, y así sucesivamente en varias unidades de la Intendencia de Montevideo se fueron encontrando otras formas de gestión. La inversión en infraestructura cultural en otros ámbitos gubernamentales no se hizo esperar, como el caso paradigmático del Auditorio del Sodre que en esa misma época reabrió sus puertas —luego de casi cincuenta años de inactividad— convertido en un edificio acorde a las necesidades de su tiempo. En todo este proceso de cambios, Sala Verdi fue quedando postergada y recién en el año 2011, a través de un llamado a concurso para proveer el cargo de Director, comienza a diagramarse el funcionamiento del viejo teatro ubicado en la calle Soriano donde funcionara el otrora Instituto Verdi fundado en el 1904 por los hermanos Sambuceti. Ese llamado me dio la oportunidad de asumir la conducción de la sala desde esa fecha hasta la actualidad. Tiene su lógica pensar que todas esas variaciones principalmente en la ingeniería teatral pública fueron el resultado de una política cultural consensuada y discutida. Sin embargo el paso del tiempo nos demuestra que si bien las acciones que devinieron en inversiones principalmente en infraestructura estuvieron cargadas de buenas intenciones, la discusión y el análisis de cuáles deberían ser los contenidos y los para qué de esos edificios transformados no estuvieron en ese pienso. Ese contexto de indefiniciones propició que en estos casi catorce años de gestión al frente de Sala Verdi el manejo de este espacio haya sido el resultado de una idea personal de cómo debería ser el funcionamiento de un teatro público, idea en la que los contenidos artísticos fueron siempre la prioridad. Esa visión por momentos artísticamente autónoma —hecho que en cierta medida agradecemos— a veces no ha tenido su correlato en el lineamiento de una política cultural pública. La discusión sobre ese funcionamiento sigue siendo por diferentes razones un asunto postergado. Es por estos motivos que, ya con un pie afuera de la sala, proponemos nominar a 2025 como una TEMPORADA EN DISCUSIÓN. Ojalá que en tiempos venideros pueda proponerse ese rico intercambio que creemos la actividad teatral nacional se merece .Gustavo Zidan
Director de Sala Verdi

Conoce toda la programación en: https://salaverdi.montevideo.gub.uy/

Festival Santiago Off 2025

FESTIVAL SANTIAGO OFF 2025 LANZA SU PROGRAMACIÓN Y SE REALIZARÁ ENTRE EL 23 DE ENERO Y @abbiechatfield  EL 1 DE FEBRERO

El XIV Festival Internacional Santiago Off se prepara para este verano, con 34 montajes nacionales y 14 internacionales, que se realizarán entre el 23 de enero y el 1 de febrero a lo largo de la RM, la Región de Valparaíso y Biobío. Revisa la programación completa a través de santiagooff.com 

Además, desde el 20 de diciembre estará disponible el formulario de postulación para la Escuela Off, que se realizará desde el 20 de enero, con 10 actividades de formación, gratuitas y abiertas a público, a través de santiagooff.com  

¡La fiesta de las artes escénicas independientes ya cuenta con su programación para finales de enero del 2025! La XIV edición del Festival Internacional Santiago Off cuenta con 34 montajes nacionales y 14 montajes internacionales de teatro, danza, circo, música, performance e interdisciplina; que se realizarán entre el 23 de enero y el 1 de febrero a lo largo de 28 espacios entre la Región Metropolitana, la Región de Valparaíso, y la Región del Biobío. 

Instalándose como un punto de encuentro que permite el diálogo necesario entre el arte y la ciudadanía, esta nueva edición del Festival Internacional Santiago Off se configura bajo la consigna de “Contracultura”, sosteniendo el mismo espíritu de unidad y colaboración que lo moviliza desde sus orígenes, y manteniéndose resistente ante la crisis que actualmente se vive en el sector cultural. 

El día 23 de enero será la jornada de apertura del Festival, con un concierto de la banda Camiseta 22, que llevará su mezcla de ska, cumbia y rock al Teatro La Cúpula del Parque Ohiggins, desde las 20:00. Por su parte, el Festival tendrá su cierre el día 1 de febrero, con el concierto del músico español Rodrigo Cuevas en la Explanada de Matucana 100. 

Uno de los aspectos importantes de esta nueva versión del Festival Internacional Santiago Off 2025 es que, dentro de su programación, el sábado 25 de enero desde las 16:30 en el Teatro La Cúpula del Parque O`Higgins, se realizará el Festival de Artes Verbales BARRABASE, espacio que recibirá a una gran variedad de raperos nacionales e internacionales. También se contará nuevamente con la Escuela Off, el área de actividades formativas de Santiago Off, que este 2025 contempla la realización de 10 actividades de formación en torno a la danza contemporánea, la performance y la producción artística internacional. Todas estas instancias son gratuitas, abiertas al público y reciben inscripciones desde el 20 de diciembre y hasta el 15 de enero. La programación nacional de este año contará con 34 compañías chilenas, donde se destacan las obras “Ética” de la Compañía Astillero Teatro, el 24 y 25 de enero a las 19:00 en el Auditorio del Museo de la Memoria y los DDHH; la obra “H!” de la Compañía Subsuelo, los días 31 de enero y 1 de febrero a las 20:00 en el Teatro Camilo Henríquez; y la obra “Animales de trabajo” de la Compañía Geografía Teatral, los días 31 de enero 1 y de febrero a las 20:30 en el Teatro Principal de Matucana 100. 

Por otra parte, en la programación internacional participarán artistas y compañías provenientes de Mozambique, Suecia, España, Estados Unidos, México, Brasil, Perú y Uruguay; a través de 12 montajes de teatro, danza y música. Algunos de los espectáculos más llamativos serán, la obra de teatro española “Protocolo del quebranto” de la Compañía Unahoramenos, el 30 y 31 de enero y 1 de febrero a las 20:00 en la Sala Ana González del ; y el concierto del músico español Rodrigo Cuevas en la Explanada de Matucana 100, el día 1 de febrero a las 22:00, para dar cierre al Festival. 

ENTRADAS CONVENIENTES, PAGA LO QUE PUEDAS Y GRATUITAS

Este 2025 cada espacio definirá los valores de sus entradas, considerando varias posibilidades de descuentos según cada espacio. Además, todas las salas de GAM ofrecerán el sistema paga lo que puedas para sus funciones, con valores a $4000 y $8.000. Todos los espacios de Pudahuel presentarán montajes gratuitos durante el Festival. Serán cuatro obras, dentro de las cuales se incluye el regreso de la icónica “La Negra Ester” de la Compañía Gran Circo Teatro, que se presentará el día 25 de enero en el Anfiteatro de Pudahuel, a las 20:00 hrs. 

Otros espacios que ofrecerán funciones gratuitas serán el Teatro Municipal de Viña del Mar, con dos obras: “Naturaleza Infinita” de la Compañía Circo Virtual  el día 26 de enero y “Perfecta” de la Compañía Los Nadies Circo, ambas a las 20:00; y el Centro Cultural de España, que exhibirá funciones gratuitas de la obra “El Purgatorio” del Colectivo CTM, los días 28 y 29 de enero a las 20:00. Finalmente, la obra española “Mover montañas” de Alberto Velasco se presentará de forma gratuita los días 27 y 28 de enero en un espacio no convencional. 

Para más información sobre la programación completa, las inscripciones para la Escuela Off y la venta de entradas de esta XIV edición del Festival Santiago Off 2025,  visita santiagooff.com, ticketplus.cl y ticketmaster.cl.